20 самых странных картин в мировой живописи

Живопись, если не брать в расчет реалистов, всегда была, есть и будет странной. Но некоторые картины страннее других.

Есть произведения искусства, которые словно бьют зрителя по голове, ошарашивая и изумляя. Другие затягивают в раздумья и в поиски смысловых слоев, тайной символики. Некоторые картины овеяны тайнами и мистическими загадками, а другие удивляют непомерной ценой.

Мы тщательно просмотрели все главные достижения в мировой живописи и выбрали из них два десятка самых странных картин. Сальвадора Дали, чьи работы полностью попадают под формат этого материала и первыми приходят на ум, не включили в эту подборку намеренно.

Понятно, что «странность» — это довольно субъективное понятие и для каждого есть свои удивительные картины, выбивающиеся из ряда прочих произведений искусства. Мы будем рады, если вы поделитесь ими в комментариях и расскажете о них немного.

«Крик»

Эдвард Мунк. 1893, картон, масло, темпера, пастель.
Национальная галерея, Осло.

«Крик» считается знаковым событием экспрессионизма и одной из самых известных картин в мире.

Существуют две трактовки изображенного: это сам герой охвачен ужасом и безмолвно кричит, прижимая руки к ушам; или же герой закрывает уши от звучащего вокруг крика мира и природы. Мунк написал четыре варианта «Крика», и есть версия, что картина эта — плод маниакально-депрессивного психоза, от которого страдал художник. После курса лечения в клинике Мунк не возвращался к работе над полотном.

«Я шел по тропинке с двумя друзьями. Солнце садилось — неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор — я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фьордом и городом. Мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу», — говорил Эдвард Мунк об истории создания картины.

«Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?»

Поль Гоген. 1897-1898, холст, масло.
Музей изящных искусств, Бостон.

По указанию самого Гогена картину следует читать справа налево — три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии.

Три женщины с ребенком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, «старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям», у ее ног «странная белая птица… представляет бесполезность слов».

Глубоко философская картина постимпрессиониста Поля Гогена была написана им на Таити, куда тот сбежал от Парижа. По завершении работы он хотел даже покончить жизнь самоубийством: «Я верю, что это полотно превосходит все мои предыдущие и что я никогда не создам что-то лучше или даже похожее». Он прожил еще пять лет, так и получилось.

«Герника»

Пабло Пикассо. 1937, холст, масло.
Музей королевы Софии, Мадрид.

«Герника» представляет сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, без указания их непосредственных причин, но они очевидны. Рассказывают, что в 1940 году Пабло Пикассо вызвали в гестапо в Париже. Речь сразу зашла о картине. «Это сделали вы?» — «Нет, это сделали вы».

Огромное полотно-фреска «Герника», написанная Пикассо в 1937 году, рассказывает о налете добровольческого подразделения люфтваффе на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен. Картина была написана буквально за месяц — первые дни работы над картиной Пикассо работал по 10-12 часов, и уже в первых набросках можно было увидеть главную идею. Это одна из лучших иллюстраций кошмара фашизма, а также человеческой жестокости и горя.

«Портрет четы Арнольфини»

Ян ван Эйк. 1434, дерево, масло.
Лондонская национальная галерея, Лондон.

Знаменитая картина целиком и полностью наполнена символами, аллегориями и разнообразными отсылками — вплоть до подписи «Ян ван Эйк был здесь», превратившей картину не просто в произведение искусства, а в исторический документ, подтверждающий реальность события, на котором присутствовал художник.

Портрет предположительно Джованни ди Николао Арнольфини и его жены является одним из наиболее сложных произведений западной школы живописи Северного Возрождения.

В России в последние несколько лет картина обрела большую популярность благодаря портретному сходству Арнольфини с Владимиром Путиным.

«Демон сидящий»

Михаил Врубель. 1890, холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Картина Михаила Врубеля удивляет образом демона. Его печальный вид совсем не похож на общечеловеческие представления о том, как должен выглядеть злой дух.

Это образ силы человеческого духа, внутренней борьбы, сомнений. Трагически сцепив руки, Демон сидит в окружении цветов, устремив свой взгляд вдаль. Композиция подчеркивает стесненность его фигуры, будто бы зажатой между верхней и нижней перекладинами рамы.

Сам художник говорил о самой известной своей картине: «Демон — дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, при всем этом дух властный, величавый».

«Апофеоз войны»

Василий Верещагин. 1871, холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Метафора войны в картине передана автором так точно и глубоко, что за каждым черепом, лежащим в этой куче, начинаешь видеть людей, их судьбы и судьбы тех, кто этих людей больше никогда не увидит. Сам Верещагин с сарказмом называл полотно «натюрмортом» — на нем изображена «мертвая природа». Всe детали картины, в том числе желтый колорит, символизируют смерть и опустошение. Ясное синее небо подчеркивает мертвенность картины. Идею «Апофеоза войны» выражают также шрамы от сабель и дыры от пуль на черепах.

Верещагин — один из главных российских художников-баталистов, но он рисовал войны и сражения не потому, что видел в них красоту и величие. Наоборот, художник пытался передать людям свое негативное отношение к войне.

Однажды Верещагин в пылу эмоций воскликнул: «Больше батальных картин писать не буду — баста! Я слишком близко к сердцу принимаю то, что пишу, выплакиваю (буквально) горе каждого раненого и убитого». Вероятно, результатом этого возгласа стала страшная и завораживающая картина «Апофеоз войны».

«Американская готика»

Грант Вуд. 1930, масло. 74×62 см.
Чикагский институт искусств, Чикаго.

Картина с мрачными образами отца и дочери переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей. Сердитые лица, вилы прямо посередине картины, старомодная даже по меркам 1930 года одежда, швы на одежде фермера, повторяющие форму вил, как символ угрозы, которая адресована всем, кто посягнет. Полотно насыщено мрачными подробностями, которые заставляют ежиться от неуюта.

«Американская готика» — один из самых узнаваемых образов в американском искусстве XX века, известнейший художественный мем XX и XXI столетий.

Интересно, что судьи конкурса в Чикагском институте искусств восприняли «Готику» как «юмористическую валентинку», а жители штата Айова страшно обиделись на Вуда за то, что тот изобразил их в столь неприятном свете.

«Влюбленные»

Рене Магритт. 1928, холст, масло.

Картина «Влюбленные» («Любовники») существует в двух вариантах. На одном полотне мужчина и женщина, чьи головы укутаны белой тканью, целуются, а на другом — «смотрят» на зрителя. Картина удивляет и завораживает.

Двумя фигурами без лиц Магритт передал идею о слепоте любви. О слепоте во всех смыслах: влюбленные никого не видят, не видим их истинных лиц и мы, а кроме того, влюбленные — загадка даже друг для друга. Но при этой кажущейся понятности, мы все равно продолжаем смотреть на магриттовских влюбленных и думать о них.

Едва ли не все картины Магритта — это ребусы, которые полностью разгадать невозможно, так как они ставят вопросы о самой сути бытия. Магритт все время говорит об обманчивости видимого, о его скрытой таинственности, которую мы обычно не замечаем.

«Прогулка»

Марк Шагал. 1917, холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея.

«Прогулка» — это автопортрет художника с супругой Беллой. Его любимая парит в небе и того гляди утащит в полет и Шагала, стоящего на земле непрочно, будто касаясь ее только носками туфель. В другой руке у Шагала синица — он счастлив, у него есть и синица в руках (вероятно, его живопись), и журавль в небе.

Обычно до крайности серьезный в своей живописи Марк Шагал написал восхитительный манифест собственного счастья, наполненный аллегориями и любовью.

«Сад земных наслаждений»

Иероним Босх. 1500-1510, дерево, масло.
Прадо, Испания.

«Сад земных наслаждений» — самый известный триптих Иеронима Босха, получивший свое название по теме центральной части, посвящен греху сладострастия.

Картина насыщена фантастическими фигурами, сооружениями, образами чудовищ, словно обретшими плоть галлюцинациями — всем тем, что можно назвать адскими карикатурами реальности, на которую автор смотрит испытующим, чрезвычайно острым взглядом.

Некоторые ученые хотели видеть в триптихе изображение жизни человека сквозь призму тщеты земной любви, другие — торжество сладострастия. Однако простодушие и некоторая отстраненность, с которыми трактовались отдельные фигуры на картине, а также благосклонное отношение к этому произведению церковных властей заставляют сомневаться, что содержанием его могло быть прославление телесных наслаждений.

На сегодняшний день ни одно из имеющихся толкований картины не признано единственно верным.

«Три возраста женщины»

Густав Климт. 1905, холст, масло.
Национальная галерея современного искусства, Рим.

Эта работа Климта одновременно передает ощущение и радости, и печали. В ней тремя фигурами написана история жизни женщины: беззаботность, умиротворение и отчаяние.

Молодой женский образ органично вплетен в орнамент жизни, образ старой женщины выделяется из него. Контраст между стилизованным изображением молодой женщины и натуралистическим образом старухи приобретает символический смысл: первая фаза жизни несет с собой бесконечные возможности и метаморфозы, последняя — постоянство и конфликт с реальностью.

Полотно не отпускает, забирается в душу и заставляет думать о глубине послания художника, равно как и о глубине и неизбежности жизни.

«Семья»

Эгон Шиле. 1918, холст, масло.
Галерея «Бельведер», Вена.

Шиле был учеником Климта, но, как и всякий отличный ученик, он не копировал своего учителя, а искал новое. Шиле куда более трагичный, странный и пугающий, нежели Густав Климт. В его работах много того, что можно было бы назвать порнографией, разнообразных перверсий, натурализма и при этом щемящего отчаяния.

«Семья» — его последняя работа, в которой отчаяние доведено до абсолюта, несмотря на то что это наименее странно выглядящая его картина. Художник нарисовал ее перед самой смертью, в 28 лет, после того как от испанки умерла его беременная жена Эдит. На полотне изображен сам автор, его жена и их так и не рожденный ребенок.

«Две Фриды»

Фрида Кало. 1939.

История трудной жизни мексиканской художницы Фриды Кало стала широко известна после выхода фильма «Фрида» с Сальмой Хайек в главной роли. Кало писала в основном автопортреты и объясняла это просто: «Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего».

Ни на одном автопортрете Фрида Кало не улыбается: серьезное, даже скорбное лицо, сросшиеся густые брови, чуть заметные усики над плотно сжатыми губами. Идеи художницы зашифрованы в деталях, фоне, фигурах, появляющихся рядом с изображением автора на полотнах. Символика Кало опирается на национальные традиции и тесно связана с индейской мифологией доиспанского периода.

В одной из своих лучших картин «Две Фриды» она выразила мужское и женское начала, соединенные в ней единой кровеносной системой и демонстрирующие ее целостность.

«Мост Ватерлоо. Эффект тумана»

Клод Моне. 1899, холст, масло.
Государственный музей Эрмитаж, Санкт-Петербург.

При рассмотрении картины с близкого расстояния зритель не видит ничего, кроме полотна, на который нанесены частые густые масляные мазки. Вся магия произведения раскрывается, когда мы постепенно начинаем отодвигаться от полотна на большее расстояние.

Сначала перед нами проявляются непонятные полуокружности, проходящие через середину картины, затем мы видим явные очертания лодок, а если мы отойдем приблизительно на два метра, то перед нами возникнут и выстроятся в логическую цепочку все связующие произведения.

«Номер 5, 1948»

Джексон Поллок. 1948, фибролит, масло.

Странность этой картины в том, что полотно американского лидера абстрактного экспрессионизма, которое он нарисовал, разливая краску по разложенному на полу куску фибролита, — одна из самых дорогих картин в мире. В 2006 году на аукционе Sotheby’s за нее заплатили 140 миллионов долларов. Дэвид Гиффен, кинопродюсер и коллекционер, продал ее мексиканскому финансисту Дэвиду Мартинесу.

«Я продолжаю отходить от обычных инструментов художника, таких как мольберт, палитра и кисти. Я предпочитаю палочки, совки, ножи и льющуюся краску или смесь краски с песком, битым стеклом или чем-то еще. Когда я внутри живописи, я не осознаю, что я делаю. Понимание приходит позже. У меня нет страха перед изменениями или разрушением образа, поскольку картина живет своей собственной жизнью. Я просто помогаю ей выйти наружу. Но, если я теряю контакт с картиной, получается грязь и беспорядок. Если же нет, то это чистая гармония, легкость того, как ты берешь и отдаешь».

«Мужчина и женщина перед кучей экскрементов»

Жоан Миро. 1935, медь, масло.
Фонд Жоана Миро, Испания.

Хорошее название. И кто бы мог подумать, что эта работа говорит нам об ужасах гражданских войн.

Картина была сделана на листе меди за неделю между 15 и 22 октября 1935 года. По словам Миро, это результат попытки изобразить трагедию Гражданской войны в Испании, картина о периоде беспокойства. На полотне изображены фигуры мужчины и женщины, тянущиеся друг к другу в объятия, но при этом не движущиеся. Увеличенные половые органы и зловещие цвета были описаны автором как «полные отвращения и гадливой сексуальности».

«Эрозия»

Яцек Йерка.

Польский неосюрреалист известен по всему миру благодаря своим удивительным картинам, в которых объединяются реальности, создающие все новые. Трудно рассматривать его предельно детальные и в какой-то степени умилительные работы по одной, но таков формат нашего материала. Рекомендуем ознакомиться подробнее.

«Руки противятся ему»

Билл Стоунхэм. 1972.

Эту работу, конечно, нельзя причислить к шедеврам мировой живописи, но то, что она странная, — это факт.

Вокруг картины с мальчиком, куклой и ладошками, прижатыми к стеклу, ходят легенды. От «из-за этой картины умирают» до «дети на ней живые». Выглядит картина и впрямь жутковато, что порождает у людей со слабой психикой массу страхов и домыслов.

Художник же уверял, что на картине изображен он сам в возрасте пяти лет, что дверь — представление разделительной линии между реальным миром и миром снов, а кукла — проводник, который сможет провести мальчика через этот мир. Руки представляют альтернативные жизни или возможности.

Картина обрела известность в феврале 2000 года, когда была выставлена на продажу на eBay с предысторией, рассказывающей, что картина — «с привидениями». «Руки противятся ему» купил за 1025 долларов Ким Смит, который затем был просто завален письмами с жуткими историями и требованиями сжечь картину.

Источник: adme.

19 января, 2016

Телеграм

10 самых странных картин в мировой живописи

Для каждого понятие странности изображения свое, но многие работы сильно выбиваются из общей картины.

Читайте также:

• Сангина, соус, уголь: мягкие материалы в графическом рисунке.
• Принт как инструмент продвижения художника

«Крик»

Картина написана Э. Мунком 

Работа является одной из самых известных в мире и относится к жанру экспрессионизм. Трактовок изображения несколько, по первой персонаж в ужасе и кричит, по второй он закрыл уши, чтобы не слышать ужасные звуки вокруг. Автор писал ее в состоянии психоза, когда сам ощутил изнеможение и увидел, как по небу течет кровь и пламенные реки.

 «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?»

Картина П. Гогена пропитана философским смыслом, на ней нарисован весь жизненный путь, от начала до конца жизни.

Читать ее нужно, начиная с правой части. Писалась картина в любимом месте художника ­– на Таити. Сам художник считал данный рисунок лучшим и даже подумывал покончить с собой.

 «Герника»

Работа Пикассо очень негативна, ее смысл сложно понять.

Здесь художник показал страдания, беспомощность. Он рассказал о налете на город с одноименным названием, результатом которого стало его полное уничтожение. Это наглядное отражение фашизма, созданное всего за месяц.

 «Портрет четы Арнольфини»

Работа Яна ван Эйка очень странная, многие уже не единожды видели ее изображения.

Изображение имеет много отсылок, аллегорий, даже подпись не стандартна. Это произведение очень сложное, а сейчас востребованность картины еще больше возросла.

 «Демон сидящий»

Изображение М. Врубеля удивляет нестандартной подачей демонического существа.

В данном случае он выглядит не агрессивно, а скорее, печально и задумчиво. Его фигура словно зажата, но окружена цветами, она показывает внутреннюю борьбу. По мнению художника на полотне дух скорее скорбный, занятый страданием.

 «Американская готика»

Изображение В. Гранта выглядит неправильным, оно кажется портретом, на деле же передает массу негативных деталей.

Оба образа мрачные, художник отразил ретроградство, пуританство, излишнюю суровость изображенных людей.  Удивляют вилы посредине изображения, а повторение их конфигурации в одежде мужчины указывает на угрозу.

 «Влюбленные»

Изображение без лиц принадлежи Р. Магритт и передает идею о слепоте любви. Всего существует пара вариантов, когда пара смотрит на зрителя или целуется.

Идея такова: в период влюбленности пара не видит других, но и партнер является загадкой. Сам художник любил оставлять загадочные послания, почти все его работы являются таинственными ребусами.

 «Сад земных наслаждений»

Работа И. Босха полна деталей и включает три составляющие.

Здесь много фантастических фигур, которые можно подолгу рассматривать. Вопреки длительному периоду существования полотна, к единому выводу о его смысле не пришли.

 «Три возраста женщины»

Рисунок создал Г. Климт, он показал основные периоды в жизни женщины.

Удивительно, что она несет и радость, и печаль. Женщина и малыш кажутся приятными и беззаботными, соединенными орнаментом. Пожилая женщина выражает отчаяние и выделена другим фоном.

«Мост Ватерлоо.

Эффект тумана»

Картина К. Моне необычна, ведь вблизи на ней практически ничего не видно.

Секрет в том, что, отойдя от полотна, можно увидеть окружности, а еще на большем удалении просматриваются лодки и сам мост. Изображение становится целостным и понятным.

шедевры живописи

акриловые краски
масляные краски

Топ-10 странных картин | Журнал DailyArt

На каждую живописную картину найдется как минимум один странный и причудливый аналог. Мы обычно замалчиваем странности, потому что они просто странные. Это почти как быть странным ребенком в средней школе; вас сажают в вашу «коробку», и люди заглядывают внутрь, но не задают слишком много вопросов — если они осмелятся подойти поближе. Сегодня мы нырнем с головой в эту коробку! Итак, пристегнитесь, и мы посмотрим на 10 самых странных картин.

1. Сад земных наслаждений

Иероним Босх, Сад земных наслаждений , c.1480-1505, Национальный музей Прадо, Мадрид, Испания.

Как не начать этот список со знаменитого причудливого триптиха Иеронима Босха «Сад земных наслаждений» ? Печально известный шедевр, вероятно, был заказан Энгельбертом, графом Нассау, для дворца Куденберг. От внешних панелей до внутренних панелей он визуализирует библейское творение и судьбу человечества, вызванную нашими собственными трагическими недостатками. История начинается на внешних панелях, где Босх создал монохромное изображение Третьего Дня Сотворения Мира. Полупустая сфера иллюстрирует формирование Эдема, когда кажется, что воды мира стекают и разделяются. Бог сидит в правом верхнем углу, наблюдая за своими руками.

Иероним Босх, Сад земных наслаждений (внешние панели), c.1480-1505, Национальный музей Прадо, Мадрид, Испания. Деталь.

Когда внешние панели раскрываются, они показывают три ярких панели, изображающих общую тему: грех. По мере движения ваших глаз вы, вероятно, сделаете вывод, что Босх создал образ человеческого зверинца. Левая и центральная панели используют общую линию горизонта, которая уносит ваш взгляд через Эдем. Погружаясь во все это, вы, вероятно, также задаетесь вопросом, что ел Босх, чтобы создавать такие сюрреалистические образы. В воздухе вы увидите людей с деревьями, плывущих по воздуху на гибриде лебедя и льва. Внизу, на земной стороне, мы видим, как люди проявляют самые разные виды поведения в самых разных странных местах; две фигуры лежат внутри моллюска, еще две стоят лицом к лицу, стоя на головах, или просто отдыхают в странном яйцевидном объекте.

Иероним Босх, Сад земных наслаждений (правая панель), c. 1480-1505, Национальный музей Прадо, Мадрид, Испания. Деталь.

Затем на правой панели начинается ад — в буквальном смысле. Большинство изображений огненных глубин довольно ручные по сравнению с картиной Босха. Наверху мы видим какой-то теневой город, освещенный вспыхивающими вокруг него огнями. Когда ваши глаза осмелятся броситься дальше вниз, вы увидите пару ушей с торчащим из них ножом, людей, собирающихся в поисках убежища, и всевозможных странных зверей, пожирающих людей. Просто взгляните на синее птицеподобное существо справа. Сидя на троне, похожем на унитаз, он перекусывает, а также испражняет еще одного человека.

На всей панели есть несколько музыкальных инструментов, которые символизируют злые отвлечения, создаваемые нашими чувствами. Эти уши — прекрасный пример; нож, пронзающий их, наглядно представляет эту обманчивую приманку. Многие из этих символов взяты прямо из самих семи смертных грехов, что часто заставляет нас полагать, что чрезмерное баловство и потребление в конечном итоге ведут к нашей гибели. Потребовалась бы целая книга, чтобы раскрыть всю символику, втиснутую в эту странную картину. Чтобы попасть в кроличью нору деталей, нажмите здесь!

2. Магдалена Вентура с мужем и сыном

Хусепе де Рибера, Магдалена Вентура с мужем и сыном , 1631, Museo Fondación Duque de Lerma, Толедо, Испания.

Продолжим экскурсию по странным картинам с портретом двух мужчин? Верно? Угадай еще раз! Фигура впереди не кто иная, как Бородатая Женщина из Абруцци! В настоящее время гендер для большинства является изменчивым понятием. Хотя мы можем подумать, что это относительно новая идея, картина Хусепе де Риберы может доказать обратное. Наша дама, Магдалина, не была большой поклонницей идеальной красоты эпохи Возрождения. Итак, она бросила вызов этим стандартам и создала свои собственные. Как ни странно, это сделало ее довольно известной. Фактически, вице-король Неаполя был очарован ею и поручил Рибере написать ее портрет.

Хотя ее грудь выглядит немного неуместной, Рибера намеренно изобразил ее кормящей грудью сына, чтобы показать, что анатомически она женщина. Между тем, ее черты лица, борода и мускулистая фигура противопоставляют женскую задачу мужскому образу. Даже ее прекрасно раскрашенные одежды намекают на мужественную фигуру, как будто, по иронии судьбы, напоминая образ библейского пророка. Муж Магдалины стоит в тени позади нее, выглядя намного старше и слабее. Их черты и положение намекают на то, что репутация Магдалины затмевает репутацию ее мужа, переворачивая типичный баланс в браке с ног на голову.

3. Уродливая герцогиня

Квентин Массис, Уродливая герцогиня , c. 1513 г., Национальная галерея, Лондон, Великобритания.

Вы просто не можете не влюбиться в эту странную картину. В течение десятилетий ученые считали эту картину и ее партнера, Старик , сатирическими высказываниями. Женщина перед нами одета как пожилая соблазнительница. В правой руке она держит бутон розы, что имеет свой сексуальный подтекст. Чтобы подчеркнуть это, ее лиф с глубоким вырезом обнажает ее морщинистую грудь, что способствует намеку Массейса на искушения плоти. Еще одна подсказка — ее головной убор в форме сердца, который кажется странным образом похожим на дьявольские рога. Говоря об одежде, художник решил изобразить ее в богатой одежде и драгоценностях, типичных для высшего класса. Однако к тому времени, когда она была написана, эта одежда вышла из моды уже около века. В целом, может показаться, что эта пара очень похожих портретов высмеивает старых и уродливых за их озорное, юношеское поведение.

Благодаря науке мы теперь знаем, что это не вся правда. Недавний анализ картины показал нам, что эта женщина на самом деле страдала от запущенной стадии болезни Педжета, которая деформирует кости. Здесь это представлено в ее странно выгнутых ноздрях, вздернутом носе, удлиненной верхней губе и увеличенных ключицах и лбу. Плохо сейчас? Да, я тоже.

Прежде чем мы двинемся дальше, еще один забавный момент, о котором стоит упомянуть, — это общий интерес к гротескному и причудливому, разделяемый Квентином Массейсом и никем иным, как Леонардо да Винчи. Леонардо часто рисовал гротескные головы, которыми он, вероятно, обменивался с Массейсом. Когда-то считалось Уродливая герцогиня была утеряна Леонардо из-за сходства с двумя его рисунками. Однако наиболее вероятно, что Массейс прислал Леонардо копию этого портрета, которую его ученики затем скопировали и изменили.

4. Меленский диптих

Жан Фуке, Меленский диптих , 1452, Gemäldegalerie, Берлин, Германия. Фото Саилко с Викисклада (CC-BY-SA 3.0).

Далее: шедевр позднего средневековья и одна из самых неортодоксальных странных картин с изображением Девы Марии в истории искусства. Жан Фуке получил заказ на написание этого диптиха от Этьена Шевалье, казначея французского короля Карла VII. На левой панели изображен покровитель со святым Стефаном, первым христианским мучеником. Эта часть довольно проста. Для наших целей сегодня мы сосредоточимся на правой панели, также известной как 9.0008 Мадонна в окружении Серафимов и Херувимов .

Жан Фуке, Мелунский диптих: Мадонна в окружении Серафимов и Херувимов , 1452, Королевский музей изящных искусств, Антверпен, Бельгия. Деталь.

Эта странная картина в равной степени фантастична и причудлива – и не только из-за причудливо очаровательных серафимов и херувимов, окружающих Марию, или младенца Иисуса. Здесь Жан Фуке нарушил традицию несколькими способами. Его использование интенсивного цвета — одно из них, но наиболее поразительным является его изображение Девы Марии и женщины, которая служила ему моделью. Итак, это определенно не проблема, что Мария показана как Царица Небесная, о чем свидетельствуют ее инкрустированная драгоценностями корона, трон и платье. Что странно, так это то, что половина ее груди обнажена, создавая довольно чувственный, эротический образ традиционно целомудренной фигуры. Представьте, какой шок это должно было вызвать у зрителей в 15 веке! Упомянутому скандалу, вероятно, не способствовал тот факт, что модель Фуке, вероятно, была любовницей короля Агнес Сорель.

Красота Сорел произвела большое впечатление на короля, и, что неудивительно, она стала его любовницей. В этой странной картине Фуке запечатлела эту красоту, от того, как ее модное платье подчеркивает ее тело, до ее фарфоровой кожи и ее скромного взгляда, она воплощает идеальную красоту. Согласно легенде, грудь Сореля была весьма привлекательна. Не сравнивать яблоки с апельсинами, но они довольно криво расположены на портрете как по размеру, так и по расположению. Этот фактор может заставить вас задаться вопросом, на что на самом деле смотрят мужчины на левой панели.

На самом деле Сорель была больше, чем любовницей, которая родила королю нескольких детей. Она также была одним из его доверенных советников. Во время злополучной войны Сорель использовала свое обаяние, чтобы заручиться финансовой поддержкой богатой знати, которая, в свою очередь, помогла Франции защитить свои границы. Чтобы отблагодарить ее, Чарльз узаконил троих ее детей и сделал ее своей официальной любовницей. Фактически, она была первой любовницей, получившей этот титул. Упомянутый титул давал много преимуществ, включая жалованье, личные покои и существенное место при дворе. Как вы могли себе представить, церковные чиновники, а также собственный сын короля не были в восторге от этого. Увы, вскоре после этого беременная Агнес умерла, вероятно, из-за отравления ртутью.

5. Этюд по картине Веласкеса «Портрет папы Иннокентия X

» Фрэнсис Бэкон, Этюд по картине Веласкеса «Портрет папы Иннокентия X », 1953, Центр искусств Де-Мойна, Де-Мойн, Айова, США. Поместье Фрэнсиса Бэкона.

Маловероятно, что вы когда-нибудь увидите такую ​​достойную фигуру, как Папа, кричащую на публике. К счастью, Фрэнсис Бэкон воплотил для нас этот восхитительный образ в жизнь. В 1950-х годах Бэкон пережил вдохновляющий сдвиг, заменив фантастических существ нетрадиционными портретами. Этот конкретный портрет представляет собой интерпретацию Бэконом картины Диего Веласкеса «9».0008 Портрет Папы Иннокентия X из 1650 г.

Диего Веласкес, Портрет Папы Иннокентия X , ок. 1650 г., Галерея Дориа Памфили, Рим, Италия.

Фрэнсис Бэкон имел возможность увидеть свое вдохновение лично, но якобы никогда не видел его. Он придерживался репродукций знаменитого портрета, утверждая, что это позволит ему проявить большую художественную свободу в своих работах. Эта лицензия была довольно обширной. Бэкон часто комбинировал изображения из разных мест. Для этой особенно странной картины он взял элементы тщательно прорисованного портрета Веласкеса, такие как позолоченный трон, его сидячее положение и облачение, и соединил их с криком из картины Сергея Эйзенштейна «19 лет».25 фильм, Броненосец Потемкин . Манера, в которой он сочетает эти элементы с очень драматичной, призрачной цветовой палитрой, придает этой картине совершенно новую, хотя и тревожную привлекательность.

Эта странная картина была признана одной из лучших работ Бэкона из его серии пап, но причина почему до сих пор неясна. Для большинства картина Бэкона загадочна. Как бы тяжело ни было смотреть на это, вы почти не можете не присмотреться. В отличие от безмятежного и авторитетного папы Веласкеса, папа Бэкона, кажется, потерял всякий контроль; почти все в этой картине кажется ускользающим. Его багрово-синее лицо выражает выражение безмолвной тоски. Папа Бэкона вцепился в стул, как будто висит, золотые шнуры, тянущиеся под креслом, кажутся единственными границами, удерживающими его на месте. Эти линии странным образом напоминают форму боксерского ринга, возможно, намекая на вечную внутреннюю борьбу, которую мы все ведем.

6. Сатурн, пожирающий своего сына

Франсиско Гойя, Сатурн , 1821-1823, Национальный музей Прадо, Мадрид, Испания.

Обычно боги и богини являются воплощением красоты и изображаются таковыми даже в самые нелестные моменты. Входит Франсиско Гойя! Он нарушил традицию этим исполнением Saturn . Прежде чем мы углубимся в это, давайте посмотрим на историю этой странной картины. Согласно мифу, титану Сатурну было сказано через пророчество, что один из его сыновей узурпирует его и заберет его власть. Естественно, Сатурну не понравилась эта идея. Ему нравилась его сила, и он хотел сохранить ее. Итак, Сатурн съел одного из своих сыновей. Хороший родительский ход, правда? Чего Сатурн не знал, так это того, что его жена Рей спрятала своего младшего сына Зевса. В конце концов, Зевс победил титанов.

В то время, когда Гойя писал это, он размышлял о влиянии силы на человечество и, вероятно, нарисовал эту и другие фрески на стенах своего дома, Кинта дель Сордо. По иронии судьбы, этот рисунок был нарисован на стенах столовой. Здесь Гойя создал поразительно мрачный образ, отражающий влияние того, что, по сути, является эго, на наше собственное поведение, показанное здесь как папина закуска. Словно намекая на то, что сила также влияет на нашу внешность, он изобразил Сатурн как существо, похожее на гоблина, что большинство сочло бы недочеловеком. Сатурн вовсе не кажется сильным или богоподобным; хотя он кажется высоким, его конечности кажутся довольно хрупкими и искалеченными. Его безумный взгляд и измученный вид отражают его отчаянное желание удержать оставшиеся клочки достоинства в сочетании с очень бесчеловечным действием поедания собственного потомства. Мораль этой истории: не жадничайте до власти и не ешьте своих детей.

7. Медуза

Караваджо, Медуза , 1595-1598, Галерея Уффици, Флоренция, Италия.

Вот, отрубленная голова горгоны Медузы! Вы, наверное, знаете Медузу как красивую женщину с живыми змеями вместо волос или как ее способность превращать людей в камень с первого взгляда. То есть, пока Персей не обезглавил ее, используя щит, который он позаимствовал у Афины. Странно здесь не только то, что Караваджо использовал молодого мужчину-натурщика или то, что он нарисован на настоящем щите, но и момент истории, который художник освещает в этом произведении.

Как гласит легенда, зеркальный щит, подаренный Персею, ​​не только позволил ему увидеть отражение Медузы, но и дал ей возможность в последний раз взглянуть на себя. Бьюсь об заклад, эти последние моменты саморефлексии сопровождались некоторыми не очень приятными осознаниями, видя, что ее голова больше не прикреплена к телу. С учетом предыстории работа Караваджо создает интересное, хотя и тревожное зеркало последних мгновений жизни Медузы.

8. Данте и Вергилий в аду

Вильям Адольф-Бугро, Данте и Вергилий в аду , 1850, Музей Орсе, Париж, Франция.

Далее, темная, но странно интересная картина с более темной стороны романтического периода. Французский художник Вильям Адольф Бугро черпал вдохновение на странице Данте « Inferno » с прекрасной обстановкой — восьмым кругом ада, удобно отведенным для фальсификаторов и фальшивомонетчиков. Звучит достаточно приятно. И так до тех пор, пока вы не увидите ухмыляющегося летучего демона, летящего над вами, или странную кучу тел на заднем плане, или двух людей, разрывающих друг друга в клочья. Этими двумя бойцами оказались Каппокио, алхимик и еретик, и Джанни Шинни, который предположительно принял личность другого человека в надежде заполучить свое состояние.

Эти двое мужчин были основаны на реальных людях, приговоренных к смертной казни за упомянутые выше преступления. Данте знал их истории и решил включить их и многие другие в свою эпическую поэму. За Каппокио и Шинни стоят Данте и Вергилий. Данте в красной кепке наблюдает, как он отворачивает своего друга Вирджила. Если вы присмотритесь, вы заметите, что Вирджил на самом деле смотрит вправо, как будто он видел что-то еще более тревожное, чем нападение вампира перед ним. По иронии судьбы, картину Бугро окрестили прекрасным произведением классической живописной техники.

9. Огородник

Джузеппе Арчимбольдо, Огородник , 1587-1590, Museo Civico Ala Ponzone, Кремона, Италия.

Джузеппе Арчимбольдо — имя, с которым большинство не знакомо. Тем не менее, для художника, работавшего в эпоху Возрождения, его картины довольно причудливы. Несмотря на его необычный стиль, работы Арчимбольдо стали синонимом маньеризма и одержимости эпохи Возрождения загадками, головоломками, странным и причудливым. Может быть, поэтому императоры Максимилиан II и Рудольф II добавили немало его странных картин в Кунсткамеру (Кунсткамеру).

Картина Арчимбольдо, Огородник , определенно отвечает всем требованиям как диковинка. Как и картина выше, картины Арчимбольдо представляют собой составные портреты, что означает, что он тщательно расположил различные, но категорически связанные объекты в форме человеческого бюста. Конечным результатом является захватывающая, идеально сбалансированная аллегория для разных вещей, таких как времена года, стихии и даже занятия. В «Огородник » Арчимбольдо создает бюст из разных овощей, увенчанный черной чашей, явно предназначенный для обозначения обязанностей садовника. Самое классное в этом то, что он принадлежит к группе под названием «обратимые головы». Если перевернуть изображение вверх ногами, получится более традиционный натюрморт с миской с овощами. Не знаю, как вы, но как только вы увидели его вверх ногами, его трудно развидеть!

10. Габриэль д’Эстре и одна из ее сестер

Школа Фонтенбло, Габриэль д’Эстре и одна из ее сестер , c. 1594 г., Лувр, Париж, Франция.

Обычно купание с братьями и сестрами — это то, что мы считаем уместным в детстве, но после определенного возраста это просто странно. На первый взгляд кажется, что эта причудливая картина противоречит этой теории. Сестра, протянутая рука герцогини де Виллар и пощипывание сосков наводят на мысль о довольно неприятных вещах. Даже занавески наверху раздвинуты, как бы намекая на сцену, заставляя зрителей чувствовать себя подглядывающими.

В то время как эта картина долгое время интерпретировалась многими как фетишистское произведение гомо-эротического искусства, история подсказывает нам, что мы должны вытащить свой разум из канавы. Габриэль, пинчи, была любовницей короля Генриха IV. Как ни странно, многие искусствоведы интерпретировали жест герцогинь как объявление о том, что Габриэль беременна внебрачным сыном короля. В этом случае пощипывание сосков не так капризно, как могло бы показаться. Как ни странно, в этой обстановке он олицетворяет плодородие, которое усиливается фигурой, шьющей детскую одежду на заднем плане.

Если эта последняя картина не суммирует странные тонкости, которые делают искусство таким странным, то я не знаю, что именно. Мы знаем, что некоторые виды искусства просто странные и причудливые, и мы должны принимать их за чистую монету. Тем не менее, знание визуальных языков прошлого может добавить дополнительную странность многим произведениям искусства.

7 очень странных работ известных художников

Услышав имя известного художника или скульптора любого рода, вы сразу же задумаетесь об определенном уровне мастерства и качества. Однако даже у знаменитых артистов бывают взлеты и падения, и иногда они выдают что-то очень удивительное. В конце концов, совершать ошибки естественно и по-человечески. Вот семь примеров талантливых и признанных художников, которым не всегда удавалось выкладываться на полную, в результате чего получались очень странные работы.