Мистические картины ( 16 фото)

Со многими произведениями живописи связаны мистические истории и загадки. Более того, некоторые специалисты считают, что к созданию ряда полотен причастны темные и тайные силы. Основания для такого утверждения есть. Уж слишком часто с этими роковыми шедеврами происходили удивительные факты и необъяснимые события — пожары, смерти, безумие авторов…Одной из самых известных «проклятых» полотен является «Плачущий мальчик» — репродукция картины испанского художника Джованни Браголина. История создания ее такова: художник хотел написать портрет плачущего ребенка и в качестве натурщика взял своего маленького сына. Но, поскольку малыш не мог плакать на заказ, то отец специально доводил его до слез, зажигая перед его лицом спички.

Художник знал, что его сын панически боялся огня, но искусство было ему дороже, чем нервы собственного ребенка, и он продолжал над ним издеваться. Однажды доведенный до истерики малыш не выдержал и крикнул, обливаясь слезами: «Гори ты сам!» Это проклятие не замедлило сбыться — через две недели от пневмонии умер мальчик, а вскоре заживо сгорел в собственном доме и его отец… Это предыстория. Свою зловещую славу картина, точнее — ее репродукция, обрела в 1985 году, в Англии. Произошло это благодаря серии странных совпадений — в Северной Англии одно за другим начали происходить возгорания жилых домов. Были человеческие жертвы. Некоторые пострадавшие упоминали, что из всего имущества чудесным образом уцелела только дешевая репродукция с изображением плачущего ребенка. И таких сообщений становилось все больше, пока, наконец, один из пожарных инспекторов во всеуслышание не заявил, что во всех без исключения сгоревших домах был найден нетронутым «Плачущий мальчик». Тут же газеты захлестнула волна писем, где сообщалось о различных несчастных случаях, смертях и пожарах, которые происходили после того, как хозяева покупали эту картину. Разумеется, «Плачущий мальчик» тут же стал считаться проклятым, всплыла история его создания, обросла слухами и выдумками… В итоге одна из газет опубликовала официальное заявление о том, что все, у кого есть эта репродукция, должны немедленно от нее избавиться, и властями впредь запрещено приобретать и держать ее дома. До сих пор «Плачущего мальчика» преследует дурная слава, особенно в Северной Англии. Кстати, оригинал до сих пор не найден. Правда, некоторые сомневающиеся (особенно у нас в России) намеренно вешали у себя на стену этот портрет, и, вроде бы, никто не сгорел. Но все же желающих проверить легенду на практике очень немного. Другим известным «огненным шедевром» считаются «Водяные лилии» импрессиониста Моне. Первым от нее пострадал сам художник — его мастерская едва не сгорела по непонятным причинам.

Затем погорели новые владельцы «Водяных лилий» — кабаре на Монмартре, дом одного французского мецената и даже Нью-Йоркский музей современных искусств. В настоящее время картина находится в музее Мормотон, во Франции, и своих «пожароопасных» свойств не проявляет. Пока. Другая, менее известная и внешне ничем не примечательная картина-»поджигатель» висит в Королевском музее Эдинбурга. Это портрет пожилого мужчины с вытянутой рукой. По поверью, иногда пальцы на руке написанного маслом старика начинают шевелиться. И тот, кто увидел это необычное явление, обязательно примет смерть от огня в самое ближайшее время. Две известных жертвы портрета — лорд Сеймур и капитан дальнего плавания Бэлфаст. Оба они утверждали, что видели, как старик шевелил пальцами, и оба впоследствии погибли в огне. Суеверные горожане даже требовали от директора музея убрать опасную картину от греха подальше, но тот, разумеется, не согласился — именно этот невзрачный и не имеющий особой ценности портрет и привлекает большинство посетителей. Знаменитая «Джоконда» Леонардо да Винчи не только восхищает, но и пугает людей. Помимо предположений, вымыслов, легенд о самой работе и об улыбке Моны Лизы, существует теория, будто бы этот самый известный портрет в мире крайне отрицательно воздействует на созерцающего. Например, официально зарегистрировано более сотни случаев, когда посетители, долго лицезревшие картину, теряли сознание.

Самый известный случай произошел с французским писателем Стендалем, который во время любования шедевром упал в обморок. Известно, что сама Мона Лиза, позировавшая художнику, умерла молодой, в возрасте 28 лет. А сам великий мастер Леонардо ни над одним своим творением не работал так долго и тщательно, как над «Джокондой». Шесть лет — до самой своей смерти Леонардо переписывал и правил картину, но так до конца и не добился того, чего хотел. Картина Веласкеса «Венера с зеркалом» тоже пользовалась заслуженно дурной славой. Все, кто покупал ее, либо разорялись, либо погибали насильственной смертью. Даже музеи не очень хотели включать ее основную композицию, и картина постоянно меняла «прописку». Дело кончилось тем, что однажды на полотно набросилась сумасшедшая посетительница и изрезала его ножом.

Другой «проклятой» картиной, которая широко известна, считается работа калифорнийского художника-сюрреалиста «Hands Resist Him» («Руки сопротивляются ему») Билла Стоунхема. Художник написал ее в1972 году с фотографии, на которой он со своей младшей сестрой стоит перед родным домом. На картине мальчик с неясными чертами лица и кукла в рост живой девочки застыли перед стеклянной дверью, к которой изнутри прижаты маленькие ручки детей. С этой картиной связано много жутких историй. Началось все с того, что первый искусствовед, который увидел и оценил произведение, скоропостижно скончался.

Потом картину приобрел американский актер, который тоже недолго зажился. После его смерти работа ненадолго исчезла, но потом ее случайно нашли на помойке. Семья, которая подобрала кошмарный шедевр, додумалась повесить его в детской. В итоге маленькая дочка стала каждую ночь прибегать в спальню родителей и кричать, что дети на картине дерутся и меняют местоположение. Отец установил в комнате камеру, реагирующую на движение, и за ночь она срабатывала несколько раз. Разумеется, семья поспешила избавиться от такого подарка судьбы, и вскоре Hands Resist Him выставили на интернет-аукцион. И тут на адрес организаторов посыпались многочисленные письма с жалобами на то, что при просмотре картины людям становилось плохо, а у некоторых даже случались сердечные приступы. Купил ее владелец частной картинной галереи, и теперь уже на его адрес стали приходить жалобы. К нему даже обратились два американских экзорциста с предложениями своих услуг. А экстрасенсы, видевшие картину, в один голос утверждают, что от нее исходит зло. Фото – прототип картины «Руки сопротивляются ему»:

А вот картина того же автора, только много лет спустя:

Есть несколько шедевров русской живописи, которые тоже имеют печальные истории. Например, всем известная еще со школы картина «Тройка» Перова. На этой трогательной и грустной картине изображены три крестьянских ребенка из бедных семей, которые тянут тяжелую ношу, впрягшись в нее на манер упряжных коней. В центре идет светловолосый маленький мальчик. Перов искал ребенка для картины, пока не встретил женщину с сыном 12-ти лет по имени Вася, которые шли через Москву на богомолье.

Вася оставался единственным утешением матери, которая похоронила мужа и других детей. Она сначала не хотела, чтобы ее сын позировал живописцу, но потом согласилась. Однако вскоре после завершения картины мальчик умер… Известно, что после смерти сына бедная женщина приходила к Перову, умоляя продать ей портрет ее любимого ребенка, но картина уже висела в Третьяковской галерее. Правда, Перов отозвался на горе матери и специально для нее написал портрет Васи отдельно. У одного из самых ярких и неординарных гениев русской живописи, Михаила Врубеля, есть работы, с которыми также связаны личные трагедии самого художника. Так, портрет его обожаемого сына Саввы, был написан им незадолго до смерти ребенка. Причем мальчик заболел неожиданно и умер скоропостижно. А «Демон поверженный» оказал пагубное влияние на психику и здоровье самого Врубеля.

Художник никак не мог оторваться от картины, все продолжал дописывать лицо поверженного Духа, а также менять колорит. «Демон поверженный» уже висел на выставке, а Врубель все приходил в зал, не обращая внимания на посетителей, усаживался перед картиной и продолжал работать, словно одержимый. Близкие обеспокоились его состоянием, и его осмотрел известный русский психиатр Бехтерев. Диагноз был страшен — сухотка спинного мозга, близкое сумасшествие и смерть. Врубеля поместили в больницу, но лечение плохо помогло, и вскоре он скончался. Интересная история связана с картиной «Масленица», долгое время украшавшей собой холл гостиницы Украина. Висела и висела, никто к ней особо не приглядывался, пока неожиданно не выяснилось, что автором этого произведения является душевнобольной по фамилии Куплин, который на свой лад скопировал полотно художника Антонова. Собственно, ничего такого особо ужасного или выдающегося в картине душевнобольного нет, но она в течение полугода будоражила просторы Рунета. Картина Антонова:

Картина Куплина:

Один студент в 2006 году написал в своем блоге пост про нее. Суть его сводилась к тому, что, по словам профессора одного из московских вузов, на картине есть один стопроцентный, но неочевидный признак, по которому сразу ясно, что художник — сумасшедший. И даже якобы по этому признаку можно сразу поставить верный диагноз. Но, как писал студент, хитрый профессор признак не открыл, а только дал туманные намеки. И вот, мол, люди, помогите, кто может, ибо сам не могу найти, весь измучился и устал. Что тут началось — нетрудно себе представить. Пост разошелся по всей сети, множество пользователей бросилось искать отгадку и ругать профессора. Картина обрела бешеную популярность, равно как и блог студента, и фамилия профессора. Разгадать загадку никому не удавалось, и под конец, когда от этой истории устали все, то решили: 1. Никакого признака нет, а профессор специально «развел» студентов, чтобы лекции не прогуливали. 2. Профессор — сам псих (даже приводились факты, что его действительно лечили заграницей). 3. Куплин ассоциировал себя со снеговиком, который маячит на заднем плане картины, и это-то и есть главная разгадка тайны. 4. Никакого профессора не было, а вся история — гениальный флэшмоб. Кстати, приводилось и множество оригинальных отгадок этого признака, но ни один из них не был признан верным. История постепенно сошла на нет, хотя и сейчас можно иной раз натолкнуться на ее отголоски в Рунете. Что касается картины, на некоторых она действительно производит жутковатое впечатление и вызывает неприятные ощущения. Во времена Пушкина портрет Марии Лопухиной был одной из главных «страшилок». Девушка прожила жизнь короткую и несчастливую, а после написания портрета умерла от чахотки. Ее отец Иван Лопухин был известным мистиком и магистром масонской ложи. Потому и поползли слухи, что-де ему удалось заманить дух умершей дочери в этот портрет. И что если молодые девушки взглянут на картину, то вскорости умрут. По версии салонных сплетниц, портрет Марии погубил не меньше десяти дворянок на выданье…

Конец слухам положил меценат Третьяков, который в 1880 году купил портрет для своей галереи. Большой смертности среди посетительниц оной замечено не было. Разговоры и утихли. Но осадок остался. Десятки людей, так или иначе входивших в контакт с картиной Эдварда Мунка «Крик», стоимость которой эксперты оценивают в 70 миллионов долларов, подвергались действию злого рока: заболевали, ссорились с близкими, впадали в тяжелую депрессию или вообще внезапно умирали. Все это создало картине недобрую славу, так что посетители музея с опаской поглядывали на нее, вспоминая ужасные истории, которые про шедевр рассказывали.

Однажды музейный служащий нечаянно уронил картину. Через какое-то время у него начались страшные головные боли. Надо сказать, что до этого случая он понятия не имел, что такое головная боль. Припадки мигрени становились все чаще и острее, и закончилось дело тем, что бедняга покончил с собой. В другой раз рабочий музея выронил картину, когда ее перевешивали с одной стены на другую. Неделю спустя он попал в кошмарную автомобильную аварию, в результате которой у него оказались сломанными ноги, руки, несколько ребер, он получил трещину таза и сильнейшее сотрясение мозга. Один из посетителей музея пытался потрогать картину пальцем. Через несколько дней у него дома начался пожар, в котором этот человек сгорел заживо. Жизнь самого Эдварда Мунка, родившегося в 1863 году, представляла собой череду нескончаемых трагедий и потрясений. Болезни, смерть родных, сумасшествие. Его мать умерла от туберкулеза, когда ребенку было 5 лет. Через 9 лет от тяжелой болезни скончалась любимая сестра Эдварда Софья. Затем умер брат Андреас, а его младшей сестре врачи поставили диагноз «шизофрения». В начале 90-х годов Мунк пережил тяжелый нервный срыв и длительное время проходил лечение электрошоком. Он никогда не женился, потому что мысль о сексе приводила его в ужас. Умер в возрасте 81 года, оставив в дар городу Осло огромное творческое наследие: 1200 картин, 4500 эскизов и 18 тысяч графических работ. Но вершиной его творчества остается, конечно, «Крик». Голландский художник Питер Брейгель-старший писал «Поклонение волхвов» два года. Деву Марию он «срисовал» со своей двоюродной сестры. Та была женщиной бесплодной, за что и получала постоянные тумаки от мужа. Именно она, как судачили простые средневековые нидерландцы, «заразила» картину. Четыре раза «Волхвов» покупали частные коллекционеры. И каждый раз повторялась одна и та же история: в семье по 10-12 лет не рождались дети…

Наконец в 1637 году картину купил архитектор Якоб ван Кампен. У него к тому времени уже были трое детей, так что проклятие его не особо пугало. Самая, наверное, знаменитая нехорошая картинка интернет-пространства со следующей историей: Некая школьница (часто упоминают японскую) перед тем как вскрыть вены (выброситься из окна, накушаться таблеток, повеситься, утопиться в ванной) нарисовала данную картину.

Если смотреть на неё 5 минут подряд девушка изменится (глаза покраснеют, волосы почернеют, проявятся клыки). На самом деле понятно, что картинка нарисована уж явно не от руки, как многие любят утверждать. Хотя как эта картинка появилась никто ясных ответов не даёт. Следующая картина скромно висит без рамы в одном из магазинов Винницы. «Женщина дождя» – самая дорогая из всех работ: стоит 500 долларов. Как утверждают продавцы, картину уже трижды покупали, а потом возвращали. Клиенты объясняют, что она им снится. А кто-то даже говорит, будто знает эту даму, но откуда – не помнит. И все, кто хоть раз заглянул в ее белые глаза, навсегда запоминают ощущение дождливого дня, тишины, тревоги и страха.

Откуда взялась необычная картина, рассказала ее автор – винницкая художница Светлана Телец. «В 1996 году я оканчивала Одесский художественный университет им. Грекова, – вспоминает Светлана. – И за полгода до рождения «Женщины» мне все время казалось, что за мной постоянно кто-то наблюдает. Я отгоняла от себя такие мысли, а потом в один из дней, кстати, совсем не дождливый, сидела перед чистым холстом и думала, что нарисовать. И вдруг четко увидела контуры женщины, ее лицо, цвета, оттенки. В одно мгновение заметила все детали образа. Основное написала быстро – часов за пять управилась. Казалось, моей рукой кто-то водил. А потом еще месяц дорисовывала». Приехав в Винницу, Светлана выставила картину в местном художественном салоне. К ней то и дело подходили ценители искусства и делились такими же мыслями, какие возникали у нее самой во время работы. «Было интересно наблюдать, – говорит художница, – насколько тонко вещь может материализовать мысль и внушить ее другим людям». Несколько лет назад появилась первая покупательница. Одинокая бизнесменша долго ходила по залам, присматривалась. Купив «Женщину», повесила ее у себя в спальне. Через две недели в квартире Светланы раздался ночной звонок: «Пожалуйста, заберите ее. Я не могу спать. Такое впечатление, что в квартире, кроме меня, кто-то есть. Я ее даже со стены сняла, за шкаф спрятала, а все равно не могу». Потом появился второй покупатель. Потом картину купил молодой мужчина. И тоже не выдержал долго. Сам принес ее художнице. И даже деньги назад не взял. — Она мне снится, – жаловался он. – Вот каждую ночь появляется и тенью вокруг меня ходит. Я с ума сходить начинаю. Боюсь этой картины! Третий покупатель, узнав о дурной славе «Женщины», лишь отмахнулся. Даже сказал, что лицо зловещей дамы ему кажется милым. И с ним она наверняка уживется. Не ужилась. — Я сначала не замечал, какие у нее белые глаза, – вспоминал он. – А потом они начали появляться всюду. Головные боли начались, беспричинные волнения. А оно мне надо?! Так «Женщина дождя» снова вернулась к художнице. По городу же понеслась молва, что картина эта проклята. За одну ночь может свести с ума. Художница уже и сама не рада, что написала такую жуть. Впрочем, Света пока не теряет оптимизма: — Каждая картина появляется на свет для какого-то конкретного человека. Верю, что найдется тот, для кого «Женщина» писалась. Кто-то ее ищет – так же, как и она его.

Мистические картины великих художников

Вокруг громких имен и известных произведений искусства всегда будут роиться мистики. Потому что не бывает дыма без огня. Есть картины, на которые хочется смотреть часами. Но есть и такие, которые заставляют ежиться и поскорее убираться из помещения, где они выставлены.

«Мертвая мать»

«Мертвая мать», Эдвард Мунк, 1899 Источник: wikimedia

Картины Эдварда Мунка и так тяжело назвать позитивными. Некоторые из них вызывают недоумение, некоторые – неприятие. Но есть и картина, вызывающая ужас у тех, кто ей владеет. В 1940 году, с началом оккупации Норвегии немцами, картина попала в частные руки и с тех пор неоднократно меняла владельцев. Но ни в одном жилом доме ей не были рады. Даже если не брать во внимание название, жуть наводило само изображение. Глаза девочки следили за проходящими мимо картины, а ночами простыни двигались и издавали шелест. В результате картина оказалась переданной в Бременскую художественную галерею, где и выставляется по сей день.

Портрет Бернардо де Гальвеса

Портрет Бернардо де Гальвес, автор неизвестен, XVIII в
Источник: wikimedia

Картина, о которой пойдет речь, находится в отеле Гальвес в городке Гальвестон штат Техас. Постояльцы постоянно рассказывают о том, что куда бы они ни пошли, взгляд генерала преследует их. Есть у картины и еще один эффект. Если находится человек, который сможет долго смотреть в глаза уважаемому Бернардо, то еще несколько дней такому смельчаку при взгляде на однотонные поверхности, мерещится неясно проявляющийся на них суровый генерал. А еще эту картину невозможно сфотографировать – изображение получается размытым. На репродукции, кстати, этот эффект не распространяется.

«Женщина дождя»

«Женщина дождя», Светлана Телец,
Кадр YouTube

Автор картины Светлана Телец рассказывает, что задолго до того, как она приступила к работе над этим полотном, в ее доме слышались непонятные звуки, а ей самой казалось, что за ней кто-то следит. В день, когда она стояла перед пустым холстом в поисках сюжета для картины, на полотне вдруг проступил неясный, но совершенно понятный для художницы силуэт женщины. Девушка схватила кисти и приступила к работе.

Весь процесс написания картины занял у нее всего лишь пять часов. Все это время она будто пребывала в трансе, а ее кистью водил кто-то другой. Картина сразу же была продана, но новая хозяйка позвонила среди ночи и попросила ее забрать. Женщине казалось, что в доме находится кто-то еще. Она уже и сняла картину, и убрала ее за шкаф, но эффект присутствия никуда так и не делся. Так повторялось еще дважды. Молодой человек, который купил картину вторым, даже не взял назад денег. Просто принес и отдал художнице, рассказав, что женщина тенью ходит вокруг него. Третий покупатель только посмеялся над дурной славой картины, сказав, мол, уживемся. Ужиться не удалось, мужчина принес картину и рассказал, что его преследуют белые глаза женщины с портрета. Бонусом пришли беспричинные тревоги и головные боли.

Сейчас картина находится в одном из художественных салонов-магазинов города Винница, ее так никто и не купил. Светлана хоть и не рада тому, что ее картина вызывает такую жуть, но она уверена, что каждое полотно пишется для кого-то конкретного. Она думает, этот «кто-то» обязательно найдет «Женщину», и картина «успокоится».

Безымянная картина Лауры

Картина без названия, художник Лаура
Кадр YouTube

Художница, взявшая творческий псевдоним Лаура, известна тем, что воспроизводит на холсте заинтересовавшие ее фотографии. Вот и в этот раз, обнаружив интересное изображение, она создала очередное творение. Когда готовое полотно повесили в помещении, там будто завелся «шумный дух»: начали пропадать вещи, все падало, ломалось, у находившихся там людей начинала болеть голова. Убрали картину – все пришло в порядок. Повесили снова – та же история.

Лаура заинтересовалась историей безголовой фигуры слева от телеги, предположив некое исходящее от нее мистическое воздействие. Художница обратилась к Джеймсу Кидду, сделавшему фотографию в 1994 году, и тот рассказал, что когда он делал снимок, никакой фигуры не было. Она появилась в момент, когда снимок лежал в ванне с проявителем. Хозяева картины решили не рисковать и картину сожгли.

«Мученик»

«Мученик», автор неизвестен
Кадр YouTube

Хоть автор этой картины неизвестен, но у нее существует история. Анализ показал, что в составе краски присутствует человеческая кровь, а по легенде вскоре после ее написания автор добровольно ушел из жизни. Теперешнего хозяина картины зовут Шон Робинсон. По его рассказу, картина унаследована им от бабушки, а та считала ее проклятой. Внук с пониманием отнесся к словам бабушки и повесил картину у себя в доме. С того момента семье не было покоя. В спальне слышались шорохи, шепот и плач. Жена Шона однажды явственно почувствовала, как кто-то невидимый погладил ее по голове. Их сына кто-то сильный толкнул с лестницы, а в дверных проемах стали видеть призрачные фигуры.

Шон унес картину в подвал и попал в странный сгусток тумана, образовавшегося на лестнице, когда он поднимался назад в дом. Мужчина оставил включенной видеокамеру, чтобы иметь материальное подтверждение творящейся вокруг картины чертовщине. Несколько таких записей выложено на его YouTube-канале.

Видео, размещенное Шоном на YouTube, где можно воочию наблюдать паранормальную активность вокруг портрета

Не всегда можно верить рассказам или слухам. Но тяжело не верить в то, что видишь своими глазами.

Мистические картины | Блогер nattchekhova на сайте SPLETNIK.RU 8 августа 2019

Любое настоящее искусство излучает сильную энергетику, которую невозможно не почувствовать. Чаще всего она – положительная. Но есть творения с ярко выраженной негативной энергетикой, тогда считается, что они приносят неприятности и даже бедствия. Мистическими свойствами обладают музыкальные и литературные произведения, спектакли и фильмы и, конечно же, живопись.

«Крик» Эдварда Мунка 

Конечно же, чаще всего, когда речь заходит о мистических картинах, вспоминают «Крик» норвежского художника-экспрессиониста Эдварда Мунка. Говорят, картина, стоимость которой составляет 70 тысяч долларов, жестоко мстит каждому, кто так или иначе «обидит» ее. Все началось с того, что один из служащих музея, в котором выставлялась картина, нечаянно уронил полотно, после чего у него начались страшные головные боли. Врачи не могли поставить диагноз, и никакие лекарства не спасали несчастного от страданий, не выдержав которых он покончил жизнь самоубийством. Другой служитель выронил «Крик», когда перевешивал его с одного места на другое, и вскоре попал в страшную автомобильную катастрофу – он выжил, но остался калекой. Посетитель, всего лишь прикоснувшийся к картине, через несколько дней заживо сгорел во время пожара…

Такую мстительность картины объясняют тяжелой судьбой самого живописца, который еще в детстве потерял всех своих близких и страдал шизофренией. Поначалу это полотно называлось «Крик природы», многие считают, что на ней художник запечатлел конец света. Сам он уверял, что действительно видел такой страшный пейзаж: «Я шел по тропинке с двумя друзьями, солнце садилось, неожиданно небо стало кроваво-красным. Я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор – я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фьордом и городом. Мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу». Мунк написал четыре версии «Крика», две из них можно увидеть в Музее Мунка и Национальном музее Норвегии, оба они находятся в Осло.

«Руки, защищающие его» Билла Стоунхема 

Картина «Руки, защищающие его» («Hands Resist Him»), написанная американским художником Биллом Стоунхемом, произвела «фурор» на первой же выставке, на которой была представлена: многие посетители вернисажа внезапно ощущали необъяснимую слабость и головокружение, они начинали рыдать и даже падали в обморок. Первый хозяин «Рук» умер через два месяца после того, как приобрел картину, а его родственники, обвинив во всем картину, выбросили ее на свалку. Там ее подобрала небогатая семья. «Руки» повесили в детской, но маленькая дочь хозяев попросила убрать оттуда полотно: она уверяла, что по ночам изображенные на ней дети дерутся. Отец счел этот рассказ фантазией, но, решив проверить слова девочки, повесил в комнате камеру – она зафиксировала движение на картине. Впоследствии «Руки» часто меняли хозяев, но от картины всегда быстро избавлялись. Последним ее хозяином стал коллекционер Ким Смит из Чикаго, который пока никому ее не продавал.

«Руки, защищающие его» написаны Стоунхемом по фотографии, на которой он запечатлен в возрасте 5 лет со своей младшей сестрой. Можно было бы сказать, что картина является копией фото, если бы не несколько отличий. Самого себя Стоунхем изобразил со странным, искаженным лицом, а сестру – куклой с круглыми, пустыми глазами. Но, наверное, самое страшное на полотне – дверь, за которой в яркий солнечный день стоит кромешная тьма, и детские ладошки, тянущиеся оттуда к стеклу. Сам художник говорил, что за этой дверью находится вход в потусторонний мир, а кукла – проводник в мир духов.

Древняя икона с изображением Христа

Казалось бы, изображения святых должны излучать только позитив, но сотрудники многих музеев буквально в один голос утверждают: очень сложно находиться целый день в зале, где выставлены иконы. Очень уж сильная – и, зачастую, негативная – энергетика от них исходит. Одна из таких икон, на которой изображен Христос, хранится в запасниках Эрмитажа. Раньше она выставлялась в экспозиции, но после нескольких необъяснимых смертей сотрудников музея была убрана с глаз долой. Один из специалистов, обследовавших картину, предположил, что художник, который писал икону, обладал мощными экстрасенсорными способностями, и передал их своему творению. Выдержать такое напряжение могут люди с аналогичным энергетическим потенциалом, всем остальным икона нанесет вред.

Но, к счастью, известны и случаи, когда иконы спасали жизнь людей. В 1812 году входящий в состав армии Наполеона отряд принца Евгения, вице-короля Италии, остановился возле одного из монастырей рядом со Звенигородом. Ночью принцу привиделся седовласый старик в длинной черной одежде. Он постоял рядом с Евгением около минуты, а потом произнес: «Не вели своим солдатам разрушать монастырь, а особенно – уносить что-либо из церкви. Если исполнишь мою просьбу, Бог тебя помилует, и ты вернешься домой невредимым».

Утром Евгений приказал своему войску продолжать движение на Москву, не трогая монастыря. Перед уходом он решали зайти в монастырский храм. В помещении стояла гробница, а над ней – портрет старца, в котором Евгений узнал своего ночного гостя. Это был основатель монастыря, святой Савва, и его мощи… Евгений прошел через множество сражений, но ни разу не был даже легко ранен. Он благополучно вернулся во Францию, в то время как почти все наполеоновские маршалы, пришедшие с императором в Россию, погибли или были впоследствии казнены.

«Водяные лилии» Клода Моне 

Картина «Водяные лилии» импрессиониста Клода Моне считается одним из самых пожароопасных шедевров живописи.

Как и у каждой мистической картины, у «Водяных лилий» есть своя легенда. Поселившись в местечке Живерни в Верхней Нормандии, где у Моне был дом с садом, художник увлекся с цветами: он не только выращивал, но и рисовал их. Позже, отведя воду от реки, оборудовал в саду пруд, где начал выращивать лилии – Моне написал целую серию картин (в музеях мира хранится около 80 полотен на эту тему), объединив их общим названием. Окончание работы над одним из полотен Моне решил отметить вечеринкой, на которую пригласил своих друзей. Подвыпившие гости по неосторожности устроили в мастерской художника пожар, в результате чего вспыхнула и сама картина, которую тут же залили вином. Впоследствии «Водяные лилии» висели в одном из кабаре на Монмартре, в доме мецената Оскара Шмитца и в Нью-йоркском музее современных искусств, и везде начинался пожар. Два раза виновницу «торжества» удавалось спасти, но на третий раз она сильно обуглилась. Случилось это полвека назад, и с тех пор ученые ломают голову над тем, как восстановить шедевр. Говорят, за это возьмутся специалисты NASA, владеющие космическими технологиями.

«Старик с протянутой рукой» неизвестного автора 

Причиной пожара несколько раз становилась и картина неизвестного автора «Старик с протянутой рукой», которая хранится в Королевском музее в Эдинбурге. Если человек увидит, как старик шевелит пальцами, ему суждена смерть в огне. Людская молва приписывает полотну двух жертв – капитана Белфаста и лорда Сеймура, которым не повезло испытать проклятие картины на себе. После этого публика разделилась на две части: одни просили убрать злополучную картину из музея, а другие требовали ее оставить, чтобы убедиться: она действительно приносит несчастье. Любопытство победило, поэтому «Старика с протянутой рукой» до сих пор можно увидеть в Эдинбурге. 

«Плачущий мальчик» Джованни Браголина 

История, связанная с картиной испанского художника Джованни Браголина, наделала в свое время столько шума и столько раз пересказывалась в самых разных вариациях, что отличить, где в ней правда, а где – вымысел, уже не представляется возможным.

Согласно существующей легенде, Браголина очень хотел написать плачущего мальчика, и сделал натурщиком собственного сына, подвижного и веселого мальчугана, который ничего на свете не боялся, кроме огня. Поэтому, чтобы заставить сына рыдать, отец-садист зажигал у его лица спички. Однажды мальчик не выдержал и в запале крикнул: «Чтоб ты сам сгорел!» Проклятие исполнилось очень скоро: через две недели малыш умер от воспаления легких, а через пару лет погиб во время пожара его отец. Сама картина сегодня считается утерянной, а вот ее репродукции были одно время весьма популярны в Англии. Пока однажды не выяснилось, что копии «Плачущего мальчика» хранились почти во всех домах, в которых случались пожары, и репродукция была единственным имуществом, которое не пострадало от огня. 

«Поклонение волхвов» Питера Брейгеля-старшего 

К этому библейскому сюжету обращались многие художники, начиная от Леонардо да Винчи и заканчивая Иеронимом Босхом, но дурной славой пользуется только картина «Поклонение волхвов» представителя Северного Возрождения Питера Брейгеля-старшего (Мужицкого). Полотно, написанное в 1564 году, находится в Лондонской картинной галерее. Считается, что на нее нельзя долго смотреть женщинам – якобы она вызывает бесплодие. Это объясняют тем, что художнику позировала его двоюродная сестра, которая не могла иметь детей. Какой же силой и энергетикой должна была обладать кисть художника, чтобы через время и расстояние передавать ее бесплодие. Интересно, что у «Поклонения волхвов» Питера Брейгеля-младшего, который повторил картину своего отца, репутация хорошая – в плохом влиянии на людей оно замечено не было. 

«Венера с зеркалом» Диего Веласкеса 

Еще один популярный сюжет, особенно у мастеров эпохи Возрождения, – «Венера с зеркалом», картины на него писали и Джорджоне, и Тициан, и Рубенс. Но опасной считается только «Венера» Диего Веласкеса, которая находится в Лондонской картинной галерее. Картину несколько раз перепродавали на аукционах, потому что ее хозяева, богатые торговцы, как только передавали деньги за покупку, тут же разорялись, а то и умирали: у одного пираты захватили и потопили корабли с товарами, у другого – от удара молнии загорелись склады и погибло все имущество, а третьего и вовсе убили во время ограбления. Стали говорить о том, что «Венера» приносит несчастье, поэтому долгое время ее не покупали, пока в 1906 году полотно не приобрели для Лондонской картинной галереи. Спустя восемь лет пострадала и сама несчастливая картина – в 1914 году на нее напала с ножом суфражистка Мэри Ричардсон. После реставрации «Венера с зеркалом» вернулась в галерею Лондона, где ее и может увидеть каждый желающий. 

Портрет Александры Небурчиловой 

Интересна история портрета купчихи Александры Федоровны Небурчиловой, выставленного в Музее промышленности и искусства имени Бурылина в Иванове. Он был написан неизвестным художником в 1840 году, а поскольку Небурчилова изображена в голубом платье, сотрудники музея называют ее «женщиной в голубом». Как только портрет вывесили, сотрудники музея стали поначалу слышать тяжелые шаги купчихи. С каждым годом она становилась все смелее и смелее, следовала за музейными работниками след в след, особенно по лестницам. Дошло до того, что они стали бояться ходить по залам в одиночку. И только во время экскурсий призрак не появлялся, а только пристально смотрел на присутствующих с портрета, поджав губы. Из-за этих губ музейщики считали Небурчилову злобной и своенравной. Но именно она однажды спасла жизнь женщине-реставратору. Та, стоя на лестнице под самым потолком, внезапно покачнулась и начала падать, но вдруг почувствовала, как чьи-то руки ее довольно сильно и уверенно поддерживают. Успокоился призрак «женщины в голубом» только после того, как портрет отдали на реставрацию в коломенские мастерские.

«Портрет М. И. Лопухиной». Владимир Боровиковский

Мария Лопухина, происходящая из графского рода Толстых, стала натурщицей художника в 18 лет, вскоре после собственной свадьбы. Изумительно красивая девушка была здоровой и полной сил, но скончалась спустя 5 лет. Спустя годы поэт Полонский напишет «Красоту ее Боровиковский спас…». Появились слухи о связи картины со смертью Лопухиной. Родилась городская легенда, что на портрет нельзя долго смотреть — постигнет печальная участь «натурщицы». Некоторые утверждали, что отец девушки, магистр масонской ложи, заключил дух дочери в портрете.Спустя 80 лет картину приобрёл Третьяков, который не побоялся репутации портрета. Сегодня полотно находится в коллекции Третьяковской галереи.

«Неизвестная». Иван Крамской

Картина «Неизвестная» (1883) вызывала бурный интерес у Петербургской публики. А вот Третьяков наотрез отказался приобретать картину для своей коллекции. Так, «Незнакомка» начала своё путешествие по частным собраниям. Вскоре начали происходить странности: первого ее владельца бросила жена, у второго сгорел дом, третий обанкротился. Все несчастья приписывали роковой картине.Не избежал беды и сам художник, вскоре после написания картины скончались два сына Крамского. Картин продали за рубеж, где она продолжила приносить владельцам одни несчастья, пока в 1925 году полотно не вернулось в Россию. Когда портрет оказался  в коллекции Третьяковской галереи несчастья прекратились.

«Тройка». Василий Перов

Перов долго не мог найти натурщика для центрального мальчика, пока не познакомился с одной женщиной, которая ехала через Москву на богомолье со своим 12-летним сыном Васей. Художнику удалось уговорить женщину дать Василию попозировать для картины.Спустя несколько лет Перов снова встретился с этой женщиной. Оказалось, что спустя год после написание картины Васенька умер, и его мать специально приехала к художнику, чтобы на последние деньги выкупить картину.Но полотно уже было приобретено и экспонировалось в Третьяковской галерее. Когда женщина увидела «Тройку», она упала на колени и стала молиться. Растроганный, художник написал для женщины портрет ее сына.

«Русалки». Иван Крамской

Иван Крамской задумал написать картину по мотивам повести Н.В. Гоголя «Майская ночь, или Утопленница». На первой выставке в Товариществе передвижников картину повесили рядом с пасторалью «Грачи прилетели» Алексея Саврасова. В первую же ночь картина «Грачи» упала со стены. Вскоре обе картины купил Третьяков, «Грачи прилетели» заняла место в кабинете, а «Русалок» выставили в зале. С этого момента прислуга и домочадцы Третьякова начали жаловаться на заунывное пение, доносящиеся по ночам из залы. Более того, люди стали отмечать, что рядом с картиной они испытывают упадок сил. Мистика продолжалась, пока старая нянька не посоветовала убрать русалок со света в дальний конец зала. Третьяков последовал совету, и странности прекратились.

 «На смерть Александра III». Иван Айвазовский

Когда художник узнал о смерти императора Александра III, он был шокирован и без всякого заказа написал картину. По задумке Айвазовского, картина должна была символизировать торжество жизни над смертью. Но, закончив картину, Айвазовский спрятал ее и не показывал никому. Впервые картину выставили на всеобщее обозрение лишь спустя 100 лет. Картина разбита на фрагменты, на полотне изображен крест, петропавловская крепости и фигура женщины в черном. Странный эффект заключается в том, что под определенным углом женская фигура превращается в смеющегося мужчину. Некоторые видят в этом силуэте Николая II, а другие — Пахома Андреюшкина, одного из тех террористов, которым не удалось покушение на императора в 1887 году.

Спасибо, если было интересно!

11 мистических картин с историей, происходящее на которых не так-то просто объяснить

Среди работ великих художников встречаются картины «с чертовщинкой», от которых сложно оторвать взгляд. Казалось бы, ничего страшного на них не происходит, но у зрителя начинают бегать мурашки. А все потому, что талантливые живописцы ловко управляют нашим восприятием: намеренно нарушают пропорции, экспериментируют с ракурсом, мизансценами, добавляют детали, внушающие смутное беспокойство.

Часто на восприятие картины влияет и ее история. Так, безобидные на первый взгляд полотна наполняются для нас новым, тревожным смыслом. Мы в AdMe.ru изучили работы художников, от которых словно веет чем-то потусторонним. Спешим поделиться их историями с вами.

Иван Крамской, «Сомнамбула» (1871)

Иван Крамской, мастер портретной, жанровой и исторической живописи, изобразил девушку в одном ночном платье, которая с прикрытыми глазами идет прочь от дома. Что с ней происходит? Состояние героини отражает название картины — «Сомнамбула».

Сомнамбулизм — это расстройство, при котором люди совершают какие-либо действия, находясь в состоянии сна. При этом глаза лунатика могут быть открыты, но будут выглядеть словно остекленевшими. Берясь за жанровые полотна, Крамской считал, что самое главное в них — «характер, личность, ставшая в силу необходимости в положение, при котором все стороны внутренние наиболее всплывают наружу».

Генри Джон Сток, «Перед ним появился бледный мерцающий свет» (1879)

Призрачная и атмосферная акварель британского художника иллюстрирует сцену из рассказа о привидениях Карла Теодора Кёрнера «Арфа». Он повествует об истории Эдварда и Джозефы, молодоженов, которые любят проводить вечера за игрой на флейте и арфе. Но счастье длится недолго: Джозефа заболевает и Эдвард остается вдовцом.

В своем горе Эдвард сохраняет комнату в том же виде, как при Джозефе, и однажды ночью заходит туда, чтобы поиграть на флейте. И вдруг в тусклом мерцающем свете арфа его жены начинает играть сама по себе. Этот момент и изобразил живописец.

Алексей Саврасов, «Осенний лес. Кунцево. Проклятое место» (1872)

Место, изображенное на картине, находится на западе Москвы, на мысе, окруженном двумя оврагами. Пытаясь понять причины, отчего его назвали проклятым, художник и отправился в Кунцево.

С Кунцевским городищем связан ряд преданий. Согласно одному из них, церковь, которая стояла здесь, бесследно ушла под землю всего за одну ночь. Также в руслах ручьев вблизи городища можно и сейчас во множестве обнаружить называемые в народе «чертовыми пальцами» окаменелости — белемниты. Свое впечатление об этом гиблом болотистом месте художник отразил в картине.

Иоганн Генрих Фюссли, «Ночной кошмар» (1790–1791)

Это серия из 4 похожих картин. По одной из версий, работа была вдохновлена сновидениями наяву, или сонным параличом, которые испытывал Фюссли. Художник обнаружил, что эти переживания связаны с фольклорными верованиями, такими как германские сказки о демонах и ведьмах, которые приходили к людям, спавшим в одиночестве. Именно поэтому сонный паралич в Ньюфаундленде называют «синдром старой ведьмы».

Любопытно, что эта картина могла повлиять на Мэри Шелли, вдохновив ее на написание одной из сцен романа «Франкенштейн, или Современный Прометей». А Эдгар Аллан По упомянул живописца в своем рассказе «Падение дома Ашеров». Там герой сравнивает картину, висящую в доме Ашера, с работой Фюссли и рассказывает: «Неудержимая дрожь постепенно охватила мое тело; и, наконец, в моем сердце воссел инкуб совершенно беспричинной тревоги».

Уильям Уотерхаус, «Волшебница Шалот» (1888)

Картина художника-прерафаэлита вдохновлена поэмой Альфреда Теннисона «Волшебница Шалот». В поэме рассказывается история девушки, на которой лежит проклятье: она обязана оставаться в башне на острове Шалот и вечно ткать длинное полотно. Ей запрещено покидать башню и даже смотреть из окна. Но в комнате висит огромное зеркало, в котором отражается окружающий мир. Однажды она видит там, как сэр Ланселот скачет в Камелот, и покидает комнату, чтобы поглядеть на него из окна. В ту же секунду исполняется проклятье, гобелен распутывается, а зеркало трескается.

Героиня понимает, какой необдуманный поступок совершила, и бежит из башни. На берегу реки она находит лодку, плывет в ней по реке и поет печальную песню. Этот момент и изобразил художник. Девушка предвидит свою судьбу и знает, что ей не суждено попасть в Камелот, где она могла бы обрести счастье и любовь.

Марианна Стоукс, «Смерть и дева» (1908)

На картине мрачный ангел в образе женщины разговаривает с юной девушкой. Фонарь, крыло, обнимающее больную, и опавшие цветы намекают, как дальше будут разворачиваться события, и придают этому изображению неминуемого ухода свой пронзительный тихий ужас.

Гуго Мерле, «Сумасшедшая из Этреты» (1871)

Любителям «Твин Пикса» картина, возможно, напомнит о даме с поленом. На самом же деле это полотно французского художника изображает босоногую неопрятную женскую фигуру у колодца, сжимающую бревно как младенца. Казалось бы, сентиментальный образ, но Гуго Мерле превращает его в образ полного, даже истерического отчаяния. Название картины отражает душевное состояние героини.

Лицо женщины — маска страданий, пока она качает не спящего ребенка, а полено. Она потеряла дитя и теперь оплакивает его или безумна от тоски по своему ребенку? Ответа на этот вопрос художник не дает.

Аксель Вальдемар Йоханнессен, «Ночь» (1920)

Картина создана норвежским живописцем Акселем Вальдемаром Йоханнессеном, работы которого были признаны только после его смерти. Его картины позволяют заглянуть в тревожные бездны человеческого существования. От полотна «Ночь» исходит ощущение безнадежности, безысходности, беспросветного мрака. Художник описывает ночь как время кошмаров, галлюцинаций и безграничного человеческого одиночества.

Одилон Редон, «Плачущий паук» (1881)

Эта картина углем французского символиста Одилона Редона относится к так называемому «черному» периоду его творчества. Художника с детства охватывали частые приступы тревоги и тоски. Он был увлечен человеческим подсознанием с его страхами, что нашло отражение в картинах.

Виктор Борисов-Мусатов, «Призраки» (1903)

Виктор Борисов-Мусатов считался мастером по изображению «дворянских гнезд». На картине — пейзаж с южным фасадом Зубриловской усадьбы. От живописного творения веет прощальным настроением, меланхолией. Художник как будто смотрит на мир из-за полупрозрачной пелены, а асимметричное размещение фигур создает впечатление спонтанности их движения.

По словам сестры живописца, он объяснил, будто с окончанием жизни опустевшего помещичьего дома «все уходило в прошлое». Поэтому на первом плане картины — удаляющиеся призрачные фигуры женщин.

Валентин Серов, «Девочка с персиками» (1887) — Михаил Врубель, «Тамара в гробу» (1891)

Когда Валентин Серов нарисовал Веру Мамонтову, той было 12 лет. «Девочка с персиками» — это самый известный ее портрет. Верушу (как ее называли друзья семьи) также много писал Виктор Васнецов. Но самый трагический портрет принадлежит кисти Михаила Врубеля — черной, зловещей акварелью написал он с нее лермонтовскую Тамару. Эта картина в некотором роде предопределила судьбу Веруши, которая ушла из жизни молодой — в возрасте 32 лет.

А какая картина вызывает у вас мурашки?

Мистические случаи связанные с известными картинами

С большинством известных картин художников связаны различные мистические истории. Специалисты часто подчеркивают – для создания некоторых произведений живописи были задействованы тайные, и даже темные, силы. И это не просто слова – доказательств более чем предостаточно. Зачастую с этими роковыми шедеврами случались необъяснимые вещи, которые удивляли. К примеру, смерти, безумия писателей, пожары и прочее. Рассмотрим поподробнее случаи, связанные с картинами-убийцами.

  Репродукция Джованни Браголина «Плачущий мальчик»

Репродукция художника из Испании, Джованни Браголина, под названием «Плачущий мальчик» занимает почетное место среди «проклятых» картин. Появилось это полотно довольно интересным способом – в порыве создания портрета ребенка, который плачет, художник прибегал к довольно нестандартным действиям. Выбрав натурщиком своего маленького сына, отец специально вызывал у него слезы путем зажигания спичек перед лицом мальчика, зная о его боязни огня. Но для Джованни создание картины было важнее, чем спокойствие собственного ребенка, поэтому он каждый раз продолжал издеваться над ним. Малыш долго терпел, но когда отец снова довел его до истерики, он не смог больше терпеть и вскрикнул: «Гори ты сам!». Проклятие сбылось достаточно быстро – через две недели мальчик скончался от пневмонии, а в скорости и его отец сгорел в своей комнате. Это только предыстория… 

Свою темную силу репродукция картины обрела в конце 1985 года в Великобритании. Причиной тому довольно необычные совпадения – в районе Северной Англии в разных жилых домах стали неожиданно происходить возгорания. Часть из них повлекла человеческие жертвы. Говорят, что в каждом из этих домов находилась дешевая копия картины «Плачущего мальчика», и только она всегда оставалась целой и невредимой. Эти высказывания подтвердились одним из пожарников – действительно, во всех домах, где случался пожар, целой оставалась только эта репродукция. В различные газеты приходило множество писем с историями, связанными с пожарами и смертями, случившимися с хозяевами после приобретения данной репродукции. Конечно, после этого «Плачущего мальчика» стали действительно считать проклятым, а когда стала известна история написания картины, то слухов и выдумок появилось еще больше. Одна из местных газет напечатала о том, что от произведения живописи в срочном порядке необходимо избавиться, иначе, есть все шансы, присоединиться к судьбам других покупателей. Власти запретили всем гражданам приобретать эту репродукцию. 

Интересно, что даже сегодня «Плачущего мальчика» не покидает его слава, особенно в Северной Англии. А куда делся оригинал картины — никому неизвестно.

 Моне «Водяные лилии»

Импрессионист Моне написал картину «Водяные лилии» и стал первым, кто от нее пострадал. Как только полотно было создано, по никому не понятным причинам чуть не загорелась мастерская художника. От «Водяных лилий» затем погорели и новые владельцы – кабаре, которое находится на Монмартре, дом французского мецената и даже Нью-Йоркский музей современных искусств. Сейчас картина выставлена во французском музее Мормотон и пока не проявляет своих «пожароопасных свойств». Но ведь это только пока.

 Билл Стоунхэм «Портрет пожилого мужчины»

Еще одно произведение искусства, которое связано с пожаром, находится в здании Королевского музея в Эдинбурге и называется «Портрет пожилого мужчины» – не такое уж известное и вовсе не примечательное произведение, написанное маслом на холсте. Но говорят, что человек, который увидит, как пальцы на руках начнут шевелиться, пострадает, а то и вовсе умрет от огня, причем в ближайшее время. На данный момент известны 2 жертвы портрета, которыми стали капитан Бэлфаст и лорд Сеймур. Они оба утверждали, что мужчина на портрете двигал пальцами. Спустя несколько дней они умерли именно от огня. К директору музея приходили с требованиями суеверные местные жители, чтобы тот сейчас же убрал эту опасную картину. Но они не были рассмотрены, ведь именно эти слухи и привлекают множество туристов в музей.

 Леонардо да Винчи «Джоконда»

Известная всем картина «Джоконда» не только способна восхищать людей, но и даже испугать. Есть версия, что портрет может отрицательно влиять на тех, кто долго его рассматривает. Официально зарегистрировано больше сотни случаев, когда гости музея, долго смотревшие на полотно, просто теряли сознание. К примеру, известный французский писатель Мари-Анри Бейл Стендаль долго любовался шедевром и неожиданно потерял сознание. 

Мона Лиза, девушка, написанная на портрете, умерла, когда ей исполнилось 28 лет. Да Винчи уделил портрету особое внимание. Ни одна из его работ не отняла столько времени, как «Джоконда». В течение долгих шести лет Леонардо постоянно вносил корректировки и переписывал портрет, но так и не смог добиться своей поставленной цели.

 Веласкес «Венера с зеркалом»

Картина Веласкеса под названием «Венера с зеркалом» заслуженно имеет свою популярность, а также некоторую неприличную славу. Все люди, которые приобретали ее, разорялись или же умирали от насилия. Многие музеи пугал этот факт, поэтому их управляющие не стремились включать полотно в основную композицию. «Венера с зеркалом» часто меняла свое место обитания. Что интересно, конец существованию полотна пришел от одной из сумасшедших посетительниц, которая и искромсала картину ножом.

 Билл Стоунхем «Руки сопротивляются ему»

Слева – картина, справа — фотография

Еще одна «проклятая» картина была создана художником-сюрреалистом из Калифорнии в 1972 году. Писал он ее с фотографии, на которой запечатлены возле дома он и его сестра. Мальчик на картине «Руки сопротивляются ему» изображен с неточными чертами лица, а девочка – в виде куклы. Они будто замерли у двери, сделанной из стекла, к которой дотрагиваются руки маленьких детей. Картина имеет жуткую историю. 

Один искусствовед увидел написанную картину и в скором времени скончался. Затем полотно купил американский актер, который также умер. После его смерти полотно на некоторое время исчезло, а затем его обнаружили на одной из мусорных свалок. Семья, взявшая этот ужасный шедевр, решила поместить его в детской комнате. И напрасно – их маленькая дочь ночью с криками прибегала в родительскую комнату и твердила, что изображенные на картине дети долгое время дерутся, а затем меняют свое местоположение. Отец решил разобраться, в чем дело, и установил камеру с датчиком слежения. Странно, но факт – в первую же ночь она сработала несколько раз. Семья приняла решение, как можно быстрее избавиться от картины.

После этого Hands Resist Him на своем интернет-аукционе выставили картину на продажу. Спустя несколько часов на их адрес начало приходить множество жалоб – после просмотра картины люди плохо себя чувствовали. Было даже несколько сердечных приступов. 

В итоге полотно приобрел хозяин одной из частных галерей и получил жалобы той же тематики. Даже экзорцисты и экстрасенсы уверяли, что от картины веет злом.

 Перов «Тройка»

Без шедевров с печальными историями не обошлось и в русской живописи. К примеру, известная всем со школьной скамьи грустная и трогательная картина «Тройка» русского художника Перова. На полотне изображены три ребенка нищих крестьян, тянущие тяжелую для них ношу. Дети напоминают лошадей с непосильным грузом. Посередине изображен светловолосый невысокий мальчишка. Для создания своего шедевра художник длительное время искал ребенка, пока не повстречал женщину, идущую с маленьким сынишкой Васей. Мать мальчишки недавно похоронила в Москве мужа и других детей. Вася же был единственной и последней ее радостью. Она категорически отказывалась, чтобы ее сын был написан Петровым, но художнику все-таки удалось ее уговорить. Спустя пару месяцев после создания картины мальчик скончался. Мать сходила с ума от горя и решила обратиться к автору полотна, чтобы тот продал ей портрет любимого мальчика, но картина уже находилась на выставке в Третьяковской галерее. Художник отозвался на просьбу скорбящей матери и создал новый портрет мальчика Васи.

 Михаил Врубель «Демон поверженный»

Михаил Врубель является, пожалуй, одним из самых неординарных художников русской живописи. В коллекциях Врубеля имеются работы, связанные с личными жизненными трагедиями и не только. К примеру, портрет своего любимого сына Саввы он создал непосредственно перед смертью мальчика. После написания ребенок заболел и быстро скончался. 

А полотно «Демон поверженный» и вовсе довольно пагубно повлияло на состояние здоровья и психики самого Врубеля. Долгое время художник создавал эту картину, тщательно дописывая демона и меняя колорит. Когда картина уже оказалась на выставке, Врубель не переставал приходить к ней и дописывать, несмотря на полный зал окружающих его людей. Близкие стали волноваться за автора и отправили его на осмотр к известному русскому психиатру Бехтереву. После проведения осмотра был поставлен диагноз сухотки спинного мозга. Простыми словами – его ждало сумасшествие и скоропостижная смерть. Художника положили на лечение в клинику, но это не спасло Врубеля от смерти.

 Куплин «Масленица»

Картина «Масленица» также имеет свою довольно интересную историю. Длительное время она красовалась в холле гостиницы «Украина» в Москве. Висела себе и висела, особо никто ее не рассматривал. Так было до тех пор, пока автор был неизвестен. Группа ученых установила, что картину написал душевнобольной Куплин, взяв за основу работу Антонова. Ничего сверхпримечательного в картине нет, но, несмотря на это, она в течение шести месяцев взорвала просторы Рунета. 

Все началось с поста об этой картине в блоге одного студента в 2006 году – профессор столичного вуза заметил на картине один стопроцентный, но банально неочевидный признак сумасшествия автора. По нему можно даже сразу поставить правильный диагноз. Но хитрый профессор этот признак открыть не согласился, дал только непонятные намеки. Этот пост быстро распространился в сети, многие пользователи активно стали искать отгадку, а затем ругать профессора, что якобы он всех обманул. 

Картина стала очень популярна, как и сама фамилия профессора, а также блог одного из его студентов. Загадку никто не мог разгадать, и когда уже всем эта история изрядно надоела, то приняли решение: 

• Профессор специально заморочил голову своим студентам, дабы те не прогуливали его лекции. Признака просто не существует в реальности.

• Профессор является сумасшедшим. Есть неопровергаемые факты его лечения заграницей.

• Куплин сравнивал себя со снеговиком, которого можно увидеть на заднем плане полотна. Это и есть главная разгадка тайны.

• Профессора вообще не существует – все это просто тщательно продуманный флэшмоб. 

Несмотря на большое количество самых разнообразных отгадок, ни одна из них не была правильной. Об этой истории постепенно забыли, но даже сейчас в Рунете еще можно наткнуться на ее следы. Если говорить о картине, то, глядя на нее, складываются довольно неприятные ощущения.

 Владимир Лукич Боровиковский «Портрет Марии Лопухиной»

«Портрет Марии Лопухиной» был написан во времена Царской России и может смело занимать место среди самых «загадочных» картин. Девушка прожила несчастливую и короткую жизнь, которая оборвалась после написания ее портрета — она заболела чахоткой. Иван Лопухин, отец Марии, относился к масонам. После кончины его дочери стали расползаться слухи, что он сумел заманить дух покойной девушки в нарисованный портрет и наложил заклинание – любая девушка, которая посмотрит на него, умрет. Местные жители утверждали, что в смерти дворянок, находившихся на выданье, виновата именно картина. 

В 1880 году Третьяков приобрел полотно и разместил его на своей выставке. Посетители приходили в галерею, смотрели на картину и оставались живыми. Разговоры поутихли, но неприятный осадок остался. 

 Эдвард Мунк «Крик»

Эдвард Мунк создал картину «Крик», которая по оценкам экспертов, стоит просто колоссальных денег – на аукционе за нее готовы отдать около 70 миллионов долларов. Многих людей, контактировавших с полотном, настигала печальная судьба: они ругались со своими родными, впадали в депрессию или тяжело болели. Часть из них неожиданно умирала. Шедевр Мунка обрел негативную славу. Посетители музея проходили мимо картины с опаской. 

К примеру, музейный работник случайно задел картину и она упала. После этого случая головные боли не покидали мужчину ни на минуту. Приступы мигрени были адской мукой. Возможно, они и стали причиной его самоубийства. Другой случай тоже произошел с работником музея: когда нужно было перевесить «Крик» на другое место, ее уронили. Прошла неделя, и человек попал в ужасное ДТП с очень печальными последствиями для себя – многочисленные тяжкие переломы и сотрясение головы. Посетитель, который хотел потрогать картину руками, сгорел в своем доме от неожиданно вспыхнувшего пожара. 

Жизнь же автора картины была далека от идеала. Родившись в 1863 году, художника постоянно не покидали трагедии и беды. Туберкулез забрал жизнь матери, когда мальчику было лишь пять лет. Любимую сестру Софью, заменившую ему мать, постигла та же участь, когда Эдварду исполнилось 14. Затем умер и брат художника, а младшей сестре врачами был поставлен страшный диагноз -«шизофрения». На пороге 1890 года случился нервный срыв уже и у самого художника. Жениться он не решался, ведь его пугала тесная близость с женщинами. Умер он в возрасте 81 года. Художник оставил городу Осло достаточно большое творческое наследие, а именно 1200 картин, 4,5 тысячи эскизов и порядка 18 тысяч художественных работ. Самой известной его картиной, конечно же, считается именно «Крик».

 Леонардо да Винчи «Поклонение волхвов»

Леонардо да Винчи помимо «Джоконды» долгое время писал картину «Поклонение волхвов». В течение двух лет его родная сестра позировала для создания образа Девы Марии. Судьба у сестры была довольно печальной: она не имела возможности рожать детей, и ее часто избивал муж. Местные жители пустили слух, будто именно она и «заразила» полотно проклятием. Четыре раза частные коллекционеры приобретали «Волхвов», а вместе с ней и отсутствие возможности производить поколение на целых 10-12 лет. 

В 1637 году Якоб ван Кампен приобрел это полотно и остался доволен. У него уже были дети, и поэтому проклятье картины не пугало его.

 Светлана Тилец «Женщина дождя»

В небольшом магазине Винницы, провинциального города Украины, находится уникальная картина «Женщина дождя», у которой довольно интересная история. Стоимость этой картины – 500 долларов. Продавцы магазина говорят, что полотно приобретали трое покупателей, а после возвращали назад. Они объясняют это странным совпадением – как только картина появлялась в помещении, женщина с нее начинала сниться каждую ночь ее владельцам. Они знают эту даму, изображенную под дождем, но не знают откуда. Все, кто всматривается в глаза женщины, навсегда запоминают ощущение тишины, дождливого дня, страха и тревоги. 

Написана необычная картина была Светланой Тилец, закончившей Одесский художественный университет имени Грекова. В 1996 году тогда еще студентке постоянно чувствовалось, что за ней следят. Это странное чувство навеяло Светлане желание изобразить следящего человека, и, взяв в руки краски и холст, она неожиданно для себя нарисовала контуры тела женской особи, причем в детальных подробностях. Изображенная женщина была ей абсолютно неизвестна, но ее лицо, цвет глаз и оттенки одежды она запомнила раз и навсегда. Удивительно то, что основная часть картины была создана спустя всего 5 часов. У художницы было впечатление, что творила абсолютно не она — что-то двигало ее рукой и писало картину. Затем она еще месяц ее дописывала. Как только Светлана приехала в Винницу, то сразу же выставила законченную работу в одном из магазинов. 

Картину долгое время никто не покупал. Но спустя некоторое время в магазин зашла одинокая бизнес-леди, которая долго гуляла по залу и остановилась на «Женщине дождя». Она разместила картину в спальной комнате, но спустя две недели вернула Светлане ее творение. Причиной возврата она назвала странное чувство, как будто после покупки картины она в доме постоянно была не одна. Было несколько попыток найти новое место для полотна, даже в закрытом шкафу, но это чувство ее не покидало. 

Прошло еще некоторое время, и картину снова купили. На этот раз покупателем был молодой мужчина. Но странное чувство и его заставило вернуть картину в магазин. Что интересно, он даже не попросил вернуть ему деньги, лишь бы избавиться от постоянной слежки дамы с картины во время сна срочным образом. Но с третьим покупателем случилось вообще что-то мистическое. Поначалу он уже и начал привыкать к женщине и ее присутствию в его жизни. Он верил, что сможет ужиться с милой избранницей в одном помещении. Но вера его была напрасной. Белые глаза «Женщины дождя» стали появляться везде, где бы ни находился хозяин дома. У него постоянно болела голова и начались непонятные волнения, что и заставило его вернуть картину в магазин. 

Местные жители Винницы шептались, что картина проклята и может элементарно свести с ума своего владельца. Автор полотна верит, что рано или поздно и на ее творение найдется свой покупатель.

МИСТИЧЕСКИЕ КАРТИНЫ РУССКИХ ХУДОЖНИКОВ

Изобразительное искусство всегда считали тесно связанным с мистической сферой. Ведь любое изображение является энергетическим отпечатком оригинала, особенно если речь идет о портретах. Считается, что они способны влиять не только на тех, с кого написаны, но и на других людей. За примерами далеко ходить не надо: обратимся к русской живописи XIX – начала ХХ столетия.

Мистика портрета Марии Лопухиной

Восхитительные красавицы, которые пристально глядят на нас с полотен великих живописцев, уже навсегда останутся именно такими: молодыми, очаровательными и полными жизненной энергии. Однако истинная судьба прекрасных натурщиц не всегда так завидна, как это может показаться на первый взгляд. В этом очень легко убедиться на примере знаменитого портрета Марии Лопухиной, вышедшего из-под кисти Владимира Боровиковского.

Мария Лопухина, происходящая из графского рода Толстых, сразу же после собственной свадьбы (ей было 18 лет) позировала Владимиру Боровиковскому. Портрет был заказан ее супругом. На момент его написания Мария выглядела просто великолепно. Ее лицо излучало столько очарования, одухотворенности и мечтательности… Не могло возникнуть никакого сомнения в том, что обворожительную натурщицу ожидает долгая и счастливая жизнь. Непостижимый факт, но Мария умерла от чахотки, когда ей было всего 23 года.

Гораздо позже поэт Полонский напишет «Красоту ее Боровиковский спас…». Однако сразу же после смерти юной красавицы это мнение разделили бы далеко не все. Ведь в то время по Москве пошли разговоры о том, что виноват в смерти Марии Лопухиной именно злосчастный портрет.

От этой картины стали шарахаться, словно от призрака. Полагали, что если на нее посмотрит юная особа, то она вскоре умрет. По некоторым сведениям загадочный портрет погубил около десяти девушек на выданье. Говорили, что отец Марии, известный мистик, после того, как умерла его дочь, заманил ее дух в это полотно.

Однако, спустя почти сотню лет, Павел Третьяков не побоялся и приобрел этот зрительный образ для собственной галереи. После этого картина «присмирела». Но что же это было – пустые сплетни, странное стечение обстоятельств или за таинственным явлением кроется нечто большее? К сожалению, ответ на этот вопрос мы, скорее всего, уже не узнаем.

Илья Репин – гроза натурщиков?

Вряд ли кто-нибудь будет спорить, что Илья Ефимович Репин – один из величайших русских живописцев. Но существует одно странное и трагическое обстоятельство: многие, кому выпала честь быть его натурщиками, вскоре умирали. Среди них Мусоргский, Писемский, Пирогов, итальянский актер Мерси д’Аржанто. Едва художник взялся за портрет Федора Тютчева, тот тоже скончался. Конечно, во всех случаях для смерти имелись объективные причины, – но вот совпадения… Даже здоровенные мужики, позировавшие Репину для полотна «Бурлаки на Волге», говорят, преждевременно отдали Богу душу.

«Бурлаки на Волге», 1870—1873 г.

Однако самая жуткая история приключилась с картиной «Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года», которая в наше время больше известна под названием «Иван Грозный убивает своего сына». Даже уравновешенным людям при взгляде на полотно становилось не по себе: слишком реалистично написана сцена убийства, слишком много на холсте крови, которая кажется настоящей.

Выставленное в Третьяковской галерее полотно производило странное впечатление на посетителей. Одни перед картиной рыдали, другие впадали в ступор, с третьими приключались истерические припадки. А молодой иконописец Абрам Балашов 16 января 1913 года порезал холст ножом. Его отправили в лечебницу для душевнобольных, где он и умер. Полотно удалось отреставрировать.

«Иван Грозный убивает своего сына», 1883—1885

Известно, что Репин долго раздумывал, прежде чем браться за картину об Иване Грозном. И не зря. Художник Мясоедов, с которого был написан образ царя, вскоре в гневе чуть не прикончил своего малолетнего сына, которого тоже звали Иваном, как и убиенного царевича. Образ же последнего писался с литератора Всеволода Гаршина, который впоследствии сошел с ума и покончил с собой, бросившись в лестничный пролет…

Убийство, которого не было

История о том, что Иван Грозный является сыноубийцей – всего лишь миф.

Считается, что Иван Грозный убил сына в припадке гнева ударом посоха в висок. Причины у разных исследователей называются разные: от бытовой ссоры до политических трений. Между тем ни в одном из источников прямо не говорится о том, что царевич и наследник престола был убит собственным отцом!

В «Пискаревском летописце» сказано: «В 12 час нощи лета 7090 ноября в 17 день… преставление царевича Иоанна Иоанновича». Новгородская четвертая летопись сообщает: «Того же (7090) году преставися царевич Иоанн Иоаннович на утрени в Слободе». Причина смерти не называется.
В 60-е годы прошлого столетия были вскрыты могилы Иоанна Грозного и его сына. На черепе царевича отсутствовали повреждения, характерные для мозговой травмы. Следовательно, сыноубийства не было?! Но откуда тогда взялась легенда о нем?

Антонио Поссевино — представитель Ватикана в России времен Ивана Грозного и Великой смуты

Автором ее является монах-иезуит Антоний Поссевин (Антонио Поссевино), отправленный в Москву послом от папы римского с предложением Православной церкви перейти под власть Ватикана. Идея не встретила поддержки у русского царя. Поссевин, меж тем, якобы стал очевидцем семейного скандала. Государь разозлился на свою беременную сноху, жену сына Ивана, за «непристойный вид» – не то забыла надеть пояс, не то надела всего одну рубаху, тогда как было положено носить четыре. Сгоряча свекор принялся бить несчастную посохом. Царевич вступился за жену: до этого отец уже отправил в монастырь двух его первых жен, которые не смогли зачать от него. Иоанн-младший небезосновательно боялся, что потеряет и третью – отец ее просто убьет. Он бросился на батюшку, а тот в припадке буйства ударил посохом и пробил сыну висок. Однако, кроме Поссевина, ни один источник не подтверждает этой версии, хотя позднее ее охотно подхватили и другие историки – Штаден и Карамзин.

• Современные исследователи предполагают, что иезуит придумал легенду в отместку за то, что ему пришлось возвратиться к папскому двору «несолоно хлебавши».

При эксгумации в костных тканях царевича были найдены остатки ядов. Это может указывать на то, что Иоанн-младший скончался от отравления (что не редкость для тех времен), а вовсе не от удара твердым предметом!

Тем не менее на картине Репина мы видим именно версию сыноубийства. Исполнена она с таким необычайным правдоподобием, что невольно веришь: все так и происходило на самом деле. Отсюда, конечно, и «убийственная» энергетика.

И снова Репин отличился 

Автопортрет Репина

Как-то Репину заказали огромное монументальное полотно «Торжественное заседание Государственного совета». Картина была завершена к концу 1903 года. А в 1905 году грянула первая русская революция, в ходе которой полетели головы изображенных на полотне чиновников. Одни лишились постов и званий, другие и вовсе поплатились жизнью: министр В.К. Плеве и великий князь Сергей Александрович, бывший генерал-губернатором Москвы, были убиты террористами.

В 1909 году художник по заказу Саратовской городской думы написал портрет премьер-министра Столыпина. Едва он закончил работу, как Столыпин был застрелен в Киеве.

Кто знает – может, не будь Илья Репин так талантлив, трагедий могло и не случиться. Еще в XV столетии ученый, философ, алхимик и маг Корнелий Агриппа Неттесгеймский писал: «Бойтесь кисти живописца – его портрет может оказаться более живым, чем оригинал».

П. А. Столыпин. Портрет работы И. Репина (1910)

Мистическая картина «Незнакомка» Ивана Крамского

Картина удивительным образом пережила два периода массового интереса к себе, причём в совершенно разных эпохах. Впервые — после написания в 1883 году, она считалась воплощением аристократизма и была очень популярна у искушённой петербургской публики.

Неожиданно ещё один всплеск интереса к «Неизвестной» произошёл уже во второй половине XX века. Квартиры украшались вырезанными из журналов репродукциями работы Крамского, а копии «Неизвестной» были одним из самых популярных заказов у художников всех уровней. Правда, почему-то картина была известна уже под названием «Незнакомка», возможно, под влиянием одноимённого произведения Блока. Были созданы даже конфеты «Незнакомка» с картиной Крамского на коробке. Так ошибочное название работы окончательно «вошло в жизнь».

Многолетние исследования того, «кто же изображен на картине Крамского», не дали результатов. По одной из версий, прототипом «символа аристократичности» стала крестьянка по имени Матрёна, вышедшая замуж за дворянина Бестужева.

«Незнакомка» Ивана Крамского – один из самых загадочных шедевров русской живописи.

На первый взгляд, в портрете нет ничего мистического: красавица едет по Невскому проспекту в открытой коляске.

Многие считали героиню Крамского аристократкой, но модное, отороченное мехом и синими атласными лентами бархатное пальто и стильная шляпка-беретка, вкупе с насурьмленными бровями, помадой на губах и наведенным румянцем на щеках, выдают в ней даму тогдашнего полусвета. Не проститутка, но явно содержанка какого-то знатного или богатого человека.

Однако когда художника спрашивали, существует ли эта женщина в реальности, он только усмехался и пожимал плечами. Во всяком случае, оригинала никто не встречал.
Меж тем Павел Третьяков отказался приобрести портрет для своей галереи – может быть, опасался поверья о том, что портреты красавиц «высасывают силы» из живых людей.

Иван Николаевич Крамской

«Незнакомка» начала путешествовать по частным собраниям. И очень скоро обрела дурную славу. Первого ее владельца бросила жена, у второго сгорел дом, третий обанкротился. Все эти несчастья приписывали роковой картине.

Не избежал проклятия и сам Крамской. Меньше чем через год после создания «Неизвестной» один за другим умерли два его сына.

«Проклятая» же картина отправилась за рубеж. Говорят, и там она чинила всяческие беды своим обладателям. В 1925 году «Незнакомка» вернулась в Россию и все же заняла свое место в Третьяковской галерее. С тех пор никаких эксцессов больше не происходило.

Может, все дело в том, что портрет с самого начала должен был занять подобающее ему место?

Автор: Мария Подолецкая

Читайте также:

Тайны известных картин

Произведения искусства часто обретают особую популярность, если о них ходят легенды или если они неожиданно оказываются не тем, чем кажутся на первый взгляд. «Культура.РФ» раскрывает секреты известных — и не очень — русских картин.

«Монахиня» Ильи Репина

Илья Репин. Монахиня. 1878. Государственная Третьяковская галерея / Портрет под рентгенограммой

С портрета на зрителя задумчиво смотрит молодая девушка в строгой монашеской одежде. Образ классический и привычный — он, вероятно, не вызвал бы у искусствоведов интереса, если бы не мемуары Людмилы Шевцовой-Споре — племянницы жены Репина. В них обнаружилась любопытная история.

Для «Монахини» Илье Репину позировала Софья Репина, урожденная Шевцова. Девушка приходилась художнику свояченицей — и одно время сам Репин был ей серьезно увлечен, но женился на ее младшей сестре Вере. Софья же стала женой брата Репина — Василия, оркестранта Мариинского театра.

Это не помешало художнику неоднократно писать портреты Софьи. Для одного из них девушка позировала в парадном бальном туалете: светлое нарядное платье, кружевные рукава, высокая прическа. Во время работы над картиной Репин серьезно поссорился с моделью. Как известно, художника может обидеть каждый, но немногие могут отомстить так изобретательно, как это сделал Репин. Обиженный художник «переодел» Софью на портрете в монашеские одежды.

Историю, похожую на анекдот, подтвердила рентгенограмма. Исследователям повезло: Репин не счистил первоначальный красочный слой, что позволило в деталях рассмотреть подлинный наряд героини.

«Аллея парка» Исаака Бродского

Исаак Бродский. Аллея парка. 1930. Государственная Третьяковская галерея, Москва / Исаак Бродский. Аллея парка в Риме. 1911

Не менее интересную загадку оставил для исследователей ученик Репина — Исаак Бродский. В Третьяковской галерее хранится его картина «Аллея парка», на первый взгляд ничем не примечательная: работ на «парковую» тематику у Бродского было много. Однако чем дальше в парк — тем больше красочных слоев.

Один из исследователей обратил внимание, что композиция картины подозрительно напоминала другую работу художника — «Аллею парка в Риме» (Бродский был скуп на оригинальные названия). Это полотно долгое время считалось утерянным, а его репродукция была опубликована лишь в довольно редком издании 1929 года. С помощью рентгенограммы исчезнувшая мистическим образом римская аллея была найдена — прямо под советской. Художник не стал счищать уже готовое изображение и просто внес в него ряд нехитрых изменений: переодел прохожих по моде 30-х годов XX века, «отобрал» у детей серсо, убрал мраморные статуи и немного видоизменил деревья. Так солнечный итальянский парк парой легких движений руки превратился в образцовый советский.

На вопрос, почему Бродский решил спрятать свою римскую аллею, исследовали ответа не нашли. Но можно предположить, что изображение «скромного обаяния буржуазии» в 1930 году с идеологической точки зрения было уже неуместным. Тем не менее из всех постреволюционных пейзажных работ Бродского «Аллея парка» наиболее интересна: несмотря на изменения, картина сохранила очаровательное изящество модерна, которого в советском реализме уже, увы, не было.

«Утро в сосновом лесу» Ивана Шишкина

Иван Шишкин и Константин Савицкий. Утро в сосновом лесу. 1889. Государственная Третьяковская галерея

Лесной пейзаж с медвежатами, играющими на поваленном дереве, — едва ли не самая известная работа художника. Вот только замысел пейзажа Ивану Шишкину подсказал другой художник — Константин Савицкий. Он же и написал медведицу с тремя медвежатами: знатоку леса Шишкину мишки никак не удавались.

Шишкин безукоризненно разбирался в лесной флоре, в рисунках своих учеников замечал малейшие ошибки — то не так изображена кора березы, то сосна похожа на бутафорскую. Однако люди и животные в его работах всегда были редкостью. Тут и пришел на помощь Савицкий. Он, кстати, оставил несколько подготовительных рисунков и эскизов с медвежатами — искал подходящие позы. «Утро в сосновом лесу» изначально не было «Утром»: называлась картина «Медвежье семейство в лесу», а самих мишек на ней было всего двое. Как соавтор Савицкий поставил на полотне и свою подпись.

Когда полотно доставили купцу Павлу Третьякову, тот возмутился: платил за Шишкина (заказывал авторскую работу), а получил Шишкина и Савицкого. Шишкин, как честный человек, авторство себе приписывать не стал. Но Третьяков пошел на принцип и подпись Савицкого кощунственно стер с картины скипидаром. Савицкий позже от авторских прав благородно отказался, а медведей еще долгое время приписывали Шишкину.

Читайте также:

«Портрет хористки» Константина Коровина

Константин Коровин. Портрет хористки. 1887. Государственная Третьяковская галерея / Оборотная сторона портрета

На обороте холста исследователи обнаружили послание от Константина Коровина на картоне, которое оказалось едва ли не интереснее самой картины:

«В 1883 году в Харькове портрет хористки. Писано на балконе в общественном саду коммерческом. Репин сказал, когда этот этюд ему показывал Мамонтов С. И., что он, Коровин, пишет и ищет что-то другое, но к чему это — это живопись для живописи только. Серов еще не писал в это время портретов. И живопись этого этюда находили непонятной?! Так что Поленов просил меня убрать этот этюд с выставки, так как он не нравится ни художникам, ни членам — г. Мосолову и еще каким-то. Модель была женщина некрасивая, даже несколько уродливая».

«Письмо» обезоруживало прямотой и дерзким вызовом всему художественному сообществу: «Серов еще не писал в это время портретов» — зато их писал он, Константин Коровин. И он же якобы первым использовал приемы, характерные для того стиля, который потом назовут русским импрессионизмом. Вот только все это оказалось мифом, который художник создал намеренно.

Стройная теория «Коровин — предтеча русского импрессионизма» была беспощадно разрушена объективными технико-технологическим исследованиями. На лицевой стороне портрета нашли подпись художника краской, чуть ниже — тушью: «1883, Харьков». В Харькове художник работал в мае — июне 1887 года: писал декорации для спектаклей Русской частной оперы Мамонтова. Помимо этого, искусствоведы выяснили, что «Портрет хористки» был выполнен в определенной художественной манере — a la prima. Эта техника масляной живописи позволяла написать картину за один сеанс. Коровин начал использовать эту технику только в конце 1880-х годов.

Проанализировав эти две нестыковки, сотрудники Третьяковской галереи пришли к выводу, что портрет был написан только в 1887 году, а более раннюю дату Коровин дописал, чтобы подчеркнуть собственное новаторство.

«Мужчина и колыбель» Ивана Якимова

Иван Якимов. Мужчина и колыбель.1770. Государственная Третьяковская галерея / Полный вариант работы

Долгое время картина Ивана Якимова «Мужчина и колыбель» вызывала недоумение искусствоведов. И дело было даже не в том, что подобного рода бытовые зарисовки абсолютно не характерны для живописи XVIII века — у лошадки-качалки в правом нижнем углу картины слишком неестественно натянута веревка, которая логически должна была бы лежать на полу. Да и рановато было ребенку из колыбели в такие игрушки играть. Также камин и наполовину не поместился на холст, что выглядело очень странно.

«Просветила» ситуацию — в прямом смысле — рентгенограмма. Она показала, что холст был разрезан справа и сверху.

В Третьяковскую галерею картина поступила после распродажи коллекции Павла Петровича Тугого-Свиньина. Ему принадлежал так называемый «Русский музеум» — коллекция живописи, скульптуры и антиквариата. Но в 1834 году из-за финансовых проблем коллекцию пришлось продать — и картина «Мужчина и колыбель» попала в Третьяковскую галерею: не вся, а только ее левая половина. Правая, к сожалению, была утеряна, но увидеть работу целиком все-таки можно, благодаря еще одному уникальному экспонату Третьяковки. Полный вариант работы Якимова обнаружился в альбоме «Собрание отличных произведений российских художников и любопытных отечественных древностей», где собраны рисунки с большей части картин, входивших в коллекцию Свиньина.

Эволюция живописи в России с X до середины XX века

Автор: Полина Пендина

Mystical Alley — Картина маслом Бесплатная доставка

Предлагаем вашему вниманию ручную роспись маслом на холсте (воссоздание) работ Афремова, упомянутых в названии. Это произведение, выполненное Студией Леонида Афремова с такой же душевностью и эмоциями, как и первая оригинальная картина. Изделие создано масляными красками на художественном холсте в уникальной технике Афремова — мастихином. Картина имеет много фактуры, штрихи можно почувствовать, прикоснувшись к этой картине.Покупая на нашем сайте, вы покупаете напрямую в Студии Леонида Афремова. Мы гарантируем ваше удовлетворение и лучший опыт работы с клиентами.

Изображение подписано спереди и сзади. В сертификате подлинности будет указано имя владельца, купившего произведение искусства. Сертификат подписан Студией Леонида Афремова. Если вы покупаете эту картину в подарок, укажите имя получателя подарка для сертификата. Мы также можем отправить товар по адресу получателя вашего подарка.

О Студии Леонида Афремова — https://afremov.com/visit-my-studio.html

об этой картине:

Мистическая аллея

Тайная аллея в городе

Вы верите в чудеса и что жизнь может полностью измениться из-за случайных событий? Вы находите это вдохновляющим или предпочитаете сталкиваться с тайнами и чудесами только на мистических картинах?

Magic всегда не за горами, если у вас есть возможность это увидеть. Красота лиц членов вашей семьи, легкий ветерок на вашей коже, когда вы выходите из дома, чтобы пойти на работу, запах кофе и кондитерских изделий из пекарни … Он сидит прямо у вас на кончике носа, готовый быть обнаруженным .

Однако, чтобы увидеть и оценить эту красоту, нужно иметь душу художника. Вот почему искусство так важно и актуально в наши дни . Позвольте познакомить вас с одним из лучших образцов — картинами Леонида Афремова.

Ночная сказка для рассказа

Эта мистическая картина идеально подходит для знакомства с творчеством Афремова. Его по праву можно считать одним из самых красивых и выразительных полотен, выполненных маслом.

• Афремов использует выразительные контрасты, сочетая более темные оттенки темно-синего, фиолетового и темно-коричневого с более светлыми и жизнерадостными цветами.Он создает атмосферу сказки, делая парк похожим на волшебное место.
• Посмотрите на фонари, освещающие уединенную дорожку в таинственном парке. Они излучают яркий, но мягкий свет, который заставляет вас чувствовать себя желанным гостем. Афремов действительно умеет расставлять такие акценты и обращает внимание на мелкие детали, завершающие всю картину.
• Широкие выразительные мазки, которые Афремов использует для неба и листьев деревьев, добавляют текстуру всему виду. Изображение кажется настолько реальным, что практически невозможно устоять перед соблазном пойти на прогулку.

Загадочное искусство для украшения вашего дома

Если для вас важна эстетика и вы хотите, чтобы ваш дом был оформлен в соответствии с вашими художественными вкусами, тогда приобретите работы Афремова. Качественный холст и другие материалы, которые использовались при создании картины, гарантируют, что она будет радовать вас долгие годы.

Скорее всего картина будет одним из самых ярких и заметных объектов в комнате или во всем вашем доме.Убедитесь, что другие предметы, такие как мебель и обои, дополняют его и не отвлекают внимание от красоты полотна.

Агнес Мартин: художник-мистик, исчезнувший в пустыне | Искусство и дизайн

Искусство должно происходить от вдохновения, сказала Агнес Мартин, и все же на протяжении десятилетий она рисовала то, что на первый взгляд кажется одним и тем же, снова и снова, одну и ту же основную структуру, подверженную бесконечно тонким вариациям. Сетка: набор горизонтальных и вертикальных линий, тщательно проведенных линейкой и карандашом на холстах высотой шесть футов и шириной шесть футов.Они приходили, эти сдержанные, сдержанные, изысканные картины, как видения, которых она ждала иногда неделями, раскачиваясь в кресле, пытаясь увидеть мельчайший образ, который она будет рисовать в следующий раз. «Я рисую спиной к миру», — заявила она, и то, что она хотела поймать в свои строгие сети, было не материальным существованием, Землей и ее мириадами форм, а скорее абстрактной славой бытия: радостью, красотой, невинностью; само счастье.

Поздно стартовавшая, Мартин продолжала работать, работая на пике своих возможностей вплоть до 80 лет; коренастая фигура с яблочными щеками и коротко остриженными серебряными волосами, одетая в комбинезон и индийские рубашки.Последние свои шедевры она создала за несколько месяцев до своей смерти в 2004 году, в преклонном возрасте 92 лет. В 1960-х она полностью покинула мир искусства, упаковав свою студию в Нью-Йорке, раздав свои материалы и исчезнув в пикапе, всплыв 18 месяцев спустя на отдаленном холме в Нью-Мексико.

Когда она вернулась к живописи в 1971 году, сетки исчезли, их заменили горизонтальные или вертикальные линии, старая палитра серого, белого и коричневого уступила место светящимся полосам и полосам очень бледно-розового, синего и желтого цветов.Критик Терри Кастл однажды назвал их «цветами стаканов-поильников», и их названия также обращаются к состояниям довербального, инфантильного блаженства. Маленькие дети, любящие любовь , Я люблю весь мир , Прекрасная жизнь , даже Младенческий отклик на любовь . И все же эти образы абсолютного покоя возникли не из жизни, наполненной любовью или легкостью, а, скорее, из беспокойства, одиночества и невзгод. Хотя они и вдохновлены, они олицетворяют упорную волю и крайние усилия, а их совершенство достигается с трудом.

Работы Мартина находятся в музеях и коллекциях по всему миру и переходят из рук в руки за миллионы долларов за раз. Тем не менее, она не достигла такой известности, как ее современники, в основном мужчины, в абстракции, отчасти потому, что тонкости ее картин почти невозможно воспроизвести в печати, хотя масштабное ретроспективное открытие в галерее Тейт Модерн в июне является убедительным аргументом в пользу этого. ее положение в первом ранге. В этом месяце также выходит биография Нэнси Принсентал (Thames & Hudson) « Агнес Мартин: ее жизнь и искусство » — кропотливая попытка распутать множество противоречий долгой и неповторимой жизни.

Ее история начинается на изолированной ферме в канадской провинции Саскачеван. Она родилась у шотландских пресвитерианских пионеров 22 марта 1912 года, в том же году, что и Джексон Поллок, еще один ребенок широко открытых прерий и огромных небес. В документальном фильме, снятом в 2002 году Мэри Лэнс « С моим возвращением в мир », Мартин утверждала, что помнит точный момент своего рождения. Она рассказывает Лэнсу, что вошла в мир маленькой фигуркой с маленьким мечом. «Я был очень счастливым. Я думал, что проложу свой путь по жизни…. победа за победой, — со смехом заявляет она. «Ну, я приспособился, как только меня перенесли в маму. Половина моих побед упала на землю ». Она делает паузу. «У моей матери были победы», — говорит она, и ее откровенное обветренное лицо резко темнеет.

Без названия 5 1998, Агнес Мартин

В детстве она считала, что ее ненавидят. Молчание было оружием ее матери, и она использовала его безжалостно. Мартин сказала своей подруге, журналистке Джилл Джонстон, что она подверглась эмоциональному насилию, и тем не менее она могла извлечь пользу из некоторых суровых уроков своего детства.Ее матери нравилось видеть, как людям причиняют боль, но ее суровость прививала самодисциплину, а вынужденное одиночество укрепляло Мартина в собственных силах. Уроки застряли. Всегда ли они служили ей хорошо или нет, дисциплина и отречение оставались лозунгами существования Мартина до самой старости.

Прошло много времени, прежде чем она решила стать художницей. Прекрасная пловчиха, подростком пробовала выступать в олимпийской сборной. Позже она выучилась на учителя, проводя свои 20-летние странствия в отдаленных школах в лесах на Тихоокеанском Северо-Западе.В 1941 году она уехала в Нью-Йорк, где изучала изящные искусства в педагогическом колледже Колумбийского университета. В течение следующих 15 лет она курсировала между школами Нью-Йорка и Нью-Мексико, постепенно развиваясь как художник. Немногое из ее работ с этого времени сохранилось из-за ее привычки уничтожать все, что не соответствовало строгому видению ее зрелости. Вот почему иногда кажется, что Мартин возникла полностью сформированной, абсолютной в своей приверженности геометрической абстракции.

Фальстарт, кружение, завоевание территории. Затем, в 45 лет, она поселилась по предложению своего тогдашнего дилера Бетти Парсонс в студийном сообществе, основанном на заброшенных морских чердаках на ветхой набережной нижнего Манхэттена. Coenties Slip был домом для группы молодых художников, преимущественно геев, среди которых были Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг, Роберт Индиана и Эллсворт Келли, стремящихся отличаться от более устоявшихся абстрактных экспрессионистов в центре города с их резким мачизмом.

Хотя Мартин был на десять лет старше других жителей, он сразу почувствовал себя как дома в этом месте экспериментов и монашеской дисциплины, «юмора, безграничных возможностей и безудержной свободы». На знаменитой фотографии она запечатлена на крыше с группой, в которую входят Индиана и Келли, а также маленький мальчик и собака, расположились лагерем с кофе и сигаретами среди небоскребов финансового района. Она сидит, улыбаясь, на самом краю крыши, засунув руки в карман пальто, в ее позе все еще есть что-то от надсмотрщика.

Ее первой резиденцией на Слипе был лофт бывшего парусного мастера длиной 100 футов, без воды и стен, которые не совсем соответствовали его парящему потолку. В этом холодном пространстве все более строгие геометрические абстракции — упорядоченные пятна, квадраты и треугольники в ночных палитрах — постепенно превращались в повторяющийся узор сетки. Эти новые работы начали показывать как часть зарождающегося движения минимализма, хотя она считала себя абстрактным экспрессионистом — ее предметом было чувство, но чувство анонимности и отсутствия украшений.

❦

Мартин часто описывал картину 1964 года, Дерево , как свою первую сетку. Фактически, она делала их, по крайней мере, с начала десятилетия, сначала выцарапывая решетки на краске, а затем нанося карандашом линейчатые вертикальные и горизонтальные линии на холсты, иногда украшая штриховки мазками или цветными линиями, даже листами сусальное золото. «Что ж, — сказала она интервьюеру, — когда я впервые сделала сетку, я думала о невинности деревьев, а потом эта сетка пришла мне в голову, и я подумал, что она олицетворяет невинность, и я все еще думаю, и поэтому я нарисовал это и тогда я был удовлетворен.

Тиффани Белл, сокуратор ретроспективы Тейт с Фрэнсис Моррис, отмечает, что «энергия капельного рисунка Поллока была растянута и тщательно сохранена во времени». Подчеркивая двусмысленность, они отказываются от артистизма, сводя живопись к простейшим процедурам нанесения знаков, и в то же время превосходя самих себя своим величием и серьезной красотой. Чем дольше вы смотрите, тем более впечатляющим становится их настойчивый нейтралитет.Забудьте о конфессиональном искусстве. Это утаивание искусства, уклонение от раскрытия информации, отказ отдать себя.

Возьмите The Islands (1961). На фоне темно-желтого цвета его аккуратные карандашные линии образуют череду крошечных коробочек. За исключением границы, которая напоминает бахрому ковра, эти элегантные ряды засеяны сотнями крошечных парных точек бледно-желтой краски, которые издалека превращаются в мерцающую вуаль. Все неизменно одинаково, и все же из этого сходства возникает образ, непохожий на все, что было раньше.

Дружба, 1963 год, Агнес Мартин

Нелегко уловить работу этих картин на словах, так как они были явно предназначены для того, чтобы избежать бремени репрезентации, сбить с толку зрителей в их неисправимой привычке искать узнаваемые формы в окружающем мире. абстрактное поле. Они не созданы для чтения, но на них нужно реагировать, обеспечивая загадочные триггеры для спонтанного всплеска чистых эмоций. На Мартин глубоко повлияли даосизм и дзен-буддизм, и ее работа по преодолению материальности вызывает большой интерес.В интервью художнице Энн Уилсон она объяснила: «Природа — это как раздвинуть занавес, вы входите в него. Я хочу вызвать определенный отклик, подобный этому … это качество отклика людей, когда они оставляют себя, часто переживаемое природой, переживание простой радости … Мои картины о слиянии, о бесформенности … Мир без предметов, без перерыва ».

Слияние и бесформенность могут быть блаженными, но, как знал Мартин, потеря твердого чувства собственного «я» также ужасна.В раннем взрослом возрасте ей диагностировали параноидальную шизофрению, и ее симптомы включали слуховые галлюцинации, приступы депрессии и кататонический транс. Ее голоса, как она их называла, управляли почти всеми аспектами ее жизни, иногда карательными, а иногда и защитными. Согласно биографии Принсенталя: «Хотя голоса не говорили ей, что рисовать — они, казалось, избегали ее работы, — образы, которые приходили к ней через вдохновение, были фиксированными и достаточно артикулированными, чтобы предполагать связь между видениями и голосами: она слышал и видел то, чего не видели другие.

В годы «Коентисского слипа» ее неоднократно госпитализировали. Однажды зимой она впала в транс в церкви на Второй авеню, когда она услышала первые несколько нот из « Messiah » Генделя (хотя она любила музыку, она часто была слишком эмоциональной). В другой раз ее поместили в печально известную хаотичную психиатрическую больницу Бельвью после того, как ее нашли блуждающей по Парк-авеню, не зная, кто и где она. Прежде чем друзья нашли ее и перевели в более здоровые окрестности, ей была проведена шоковая терапия.

Хотя Мартин был явно одинокой фигурой, все эти годы он был не совсем один. У нее были отношения с женщинами, в том числе с новаторской художницей по волокну Ленор Тоуни и греческим скульптором Криссой (позже известной своими работами в неоне). Как и многие геи в до-Стоунволлскую эпоху, она была глубоко в секрете, по крайней мере однажды отрицая, что она лесбиянка. К этому заявлению следует относиться с долей скепсиса, учитывая, что, когда ее спросили о феминизме в интервью Джонстону, она резко ответила: «Я не женщина.

Заманчиво прочесть эти грозные напряжения и потрясения в картинах: превратить решетку в чулан или камеру, систему ловушек или бесконечный лабиринт. Но Мартин был непреклонен в том, что личный опыт не имеет ничего общего с ее работами. В своем обильном сочинении она чрезвычайно настаивала на том, какие значения они имеют и не содержат: они не охватывают идеи, и уж тем более личные эмоции или биографические элементы. Она яростно выступала против критических чтений, дошла до того, что отменила престижную ретроспективу в музее Уитни в 1980 году, потому что они настаивали на каталоге.Картины были вещью: картины и возвышенные отклики, которые они вызывали у зрителя.

❦

Жарким летом 1967 года Мартин полностью отказался от искусства. На протяжении многих лет она приводила множество причин своего ухода. Она жила в красивой студии на Саут-стрит, с высокими потолками, так близко к реке, что она могла ясно видеть выражения лиц моряков. Однажды она услышала, что его собираются снести. В том же посте она получила уведомление о том, что выиграла грант, достаточный для покупки пикапа и кемпинга Airstream.Ее друг Ад Рейнхардт, черные картины которого она любила, только что умер; ее отношения с Криссой закончились, и в любом случае ей надоело жить в городе. Голоса тоже совпали. «Я не могла больше оставаться, поэтому мне пришлось уехать, понимаете», — объяснила она десятилетия спустя. «Я уехал из Нью-Йорка, потому что каждый день я внезапно чувствовал, что хочу умереть, и это было связано с живописью. Мне потребовалось несколько лет, чтобы понять, что причиной является чрезмерно развитое чувство ответственности ».

Никто точно не знает, куда она пошла.Как и Гекльберри Финн, она выезжала за территорию, путешествуя автономно, в открытый космос. Она снова появилась в кафе и заправочной станции на Кубе, штат Нью-Мексико, в 1968 году, остановившись и спросив менеджера, знает ли он о сдаче земли в аренду. Случайно у его жены появилась собственность, и поэтому в возрасте 56 лет Мартин переехал в отдаленное ущелье, в 20 милях по грунтовым дорогам от ближайшего шоссе. Ни электричества, ни телефона, ни соседей, не было даже жилья для проживания. Первые несколько месяцев она сосредоточила свою энергию на строительстве, работе с нуля и в основном в одиночестве.Она построила однокомнатный дом из сырцовых кирпичей, которые вылепила сама, а затем бревенчатую хижину из деревьев, которые срубила бензопилой. Именно в этом последнем пространстве она снова начала медленно двигаться к искусству, сначала к гравюрам, затем к рисункам, а затем к ярким произведениям своей зрелости.

С этого момента лучшим путеводителем по жизни Мартина является удивительно вызывающая воспоминания книга Agnes Martin: Paintings, Writings, Remembrances (Phaidon) ее друга и дилера Арне Глимчера, основателя Pace Gallery.В июне 1974 года она неожиданно появилась в Pace и спросила, не хотят ли они показать ее новую работу. Она пригласила Глимчера прийти и посмотреть его, отправив ему нарисованную от руки карту, внизу которой она нацарапала «принеси лед, спасибо, Агнес». Когда он приехал после тяжелого путешествия из Нью-Йорка, она накормила его бараньими отбивными и яблочным пирогом, прежде чем позволить ему войти в студию. Там она показала ему пять новых картин, сделанных из горизонтальных или вертикальных полос ледяного синего и красного цвета, так что политые воды едва ли были розовыми.В 62 года Мартин нашла новый язык, способ выражения, на котором она продолжала общаться еще 30 лет.

Без названия, 1959, Агнес Мартин

Иногда ленты, которые она делала, были мрачными, в тревожных мазках серо-серого цвета, но чаще это были плавучие элегантные стопки разбавленной акриловой краски. Наслоение цвета песка и абрикоса, наслоение цвета утреннего неба; флаги безграничного государства, новой республики легкости и свободы. Ее процесс всегда был одинаковым. Она подождала, пока не увидит свое видение: крошечная полноцветная версия будущей картины.Затем последовала кропотливая работа по масштабированию, заполнению страниц нацарапанными дробями и долгим делением. Затем она отметила два отрезка ленты, используя короткую линейку, чтобы нарисовать линии на лущеном холсте. Только тогда она начала наносить цвет, работая очень быстро. Если были неприятные потеки, пятна или другие ошибки, она разрушала холст ножом или резаком для коробок, иногда даже швыряла его с мезы, прежде чем начать снова один, два или семь раз: каждая отметка на картине Мартина преднамерена, полностью означает.

Их тщательно продуманная геометрия оказывает сильное влияние на зрителя. На лондонском аванпосте Пейс я увидел Untitled # 2, 1992 : пять синих полос, разделенных четырьмя повторяющимися полосами белого, водянисто-оранжевого и лососево-розового цветов. Вблизи карандашные линии колыхались по переплетению, как на ЭКГ. К холсту прилипли два волоска; пять персиковых брызг размером с ноготь. Глаз уловил эти мелкие детали, бесконечно более темные участки, на которых столкнулись два мазка кисти, потому что больше нечего было уловить: ни вида, ни закрытия, а просто сияющая открытость, как будто океан проник в комнату без окон.

Это чувство свободного падения придется по вкусу далеко не каждому. За прошедшие годы удивительное количество картин Мартина подверглось вандализму. Один из зрителей использовал в качестве оружия рожок мороженого. Другой атаковал зеленым мелком, когда на концерте в Германии националисты бросали мусор. Решетки особенно привлекают внимание. Сама Мартин считала это нарциссическим, чем-то вроде вакуума ужасов. «Знаете, — сказала она с сожалением, — люди просто не могут терпеть, что это все пустые квадраты.”

❦

Учиться противостоять пустоте было ее собственной специальностью, данной ей задачей. Ее годы в Нью-Мексико были отмечены глубоким отрешением от мирских вещей, жизнью отречения и ограничений, что часто звучит карающе мазохистски, хотя Мартин настаивал на духовном намерении, продолжающейся войне против греха гордыни. Голоса были строгими в своей ограниченности. Ей не разрешалось покупать пластинки, владеть телевизором или заводить собаку или кошку для компании. Зимой 1973 года она жила только на консервированные домашние помидоры, грецкие орехи и твердый сыр.Еще зимой это был желатин Knox, смешанный с апельсиновым соком и бананами. Когда ее выселили из холма после спора с владельцами, она позвонила Глимчеру и сказала, что потеряла все, даже свою одежду. «Это признак того, что я вела слишком грандиозный образ жизни», — весело объявила она. «Это еще одно испытание для меня».

Агнес Мартин в своем доме недалеко от Кубы, Нью-Мексико, в 1974 году. Фотография Джанфранко Горгона.

По иронии судьбы, затворничество Мартина, ее спартанское существование способствовали ее растущему статусу пустынного мистика минимализма, чему она одновременно сопротивлялась и питала.В этот период она начала читать публичные лекции, которые были одновременно властными и скромными, смешивая язык проповедей Дзэн с детскими бормотаниями и намеренными повторениями Гертруды Стайн, стихи которой она любила декламировать. Мартин умел непрозрачно использовать язык, создавая экран из слов, который мог скрыть ее от взглядов мира. Подобно ее загадочным, стойким картинам, ее высказывания призваны выразить нечто, недоступное обычному пониманию, оружие в кампании по обесцениванию материала и возвышению абстрактного.«Когда вы отказываетесь от представления о добре и зле, вы ничего не понимаете, — сказала она Джонстону. «Вы получаете избавление от всего, свободу от идей и ответственности».

К концу ее жизни даже стриктуры начали исчезать. С возрастом Мартин стала более счастливой и общительной, а также значительно более богатой. В 1992 году она переехала в пенсионный поселок в Таосе, штат Нью-Мексико, каждый день ехала в свою студию на безупречном белом BMW — одной из немногих экстравагантностей в жизни, все еще посвященной крайней материальной простоте.Другие вещи, которые доставили ей удовольствие, были романы Агаты Кристи (сами по себе, как замечает Принсенталь, бесконечно изобретательные повторения одной и той же основной структуры), случайные мартини и музыка Бетховена. Лилиан Росс в 2003 году она весело заявила: «Бетховен действительно о чем-то. Я засыпаю, когда стемнеет, встаю, когда становится светло. Как курица. Пойдем обедать.

Именно в этот период предметы стали возвращаться на ее полотна; последний поворот в жизни, посвященной абсолютному послушанию видению.Треугольники, трапеции, квадраты: черные геометрические фигуры, возникающие из осушенных и трезвых полей. На одной из самых ярких из этих картин, Homage to Life , 2003, суровая черная трапеция вырисовывается из смыва изысканно взволнованной серой замазки (просматривая ее в New Yorker, Питер Шельдаль заметил: «Это выглядит совершенно смертоносным для меня»). И самой последней ее работой был крохотный рисунок растения, высотой чуть больше трех дюймов: шатающаяся чернильная линия, наконец, свидетельствующая о материальных вещах, в которых красота временно становится своим домом.

После этого она отложила карандаш. Ее последние дни, в декабре 2004 года, она провела в лазарете дома престарелых в окружении нескольких ее ближайших друзей и членов семьи. В своих мемуарах Глимчер описывает, как сидел и держал ее за руку, напевая ее любимые «Голубые небеса», песню, которую они часто пели вместе, пока она ехала с ним через горы, ее нога на газе, демонстрируя королевское пренебрежение ограничениями скорости и знаки остановки. Иногда она вставала с постели парочкой колеблющихся фраз: «Ничего, кроме голубого неба / Отныне.

Она хотела, чтобы ее похоронили в саду Харвудского музея в Таосе, рядом с комнатой с картинами, которые она пожертвовала, но закон Нью-Мексико запрещал это, поэтому весной после ее смерти группа собралась в полночь и поднялась на весы. саманные стены с лестницей. Была полная луна, и они вырыли яму под корнями абрикосового дерева, поместив ее пепел в японскую чашу, выложенную золотым листом, прежде чем рассыпать ее по земле. Прекрасная сцена, но, как знал Мартин, «красота не связана, это вдохновение — это вдохновение».

«» Оливии Лэнг «Одинокий город: приключения в искусстве одиночества» готовится к выпуску от Canongate. Agnes Martin находится в галерее Тейт Модерн, Лондон, SE1, с 3 июня по 11 октября. tate.org.uk.

Тайные мистические картины международного искусства сенсации, Хильма аф Клинт

Когда в 1944 году шведская художница-модернист Хильма аф Клинт умерла, она оставила четкие инструкции для своих картин, которые должны храниться в течение двух десятилетий, полагая, что мира еще не было. готовы увидеть ее яркие, монументальные полотна, пропитанные сильным спиритизмом.

Она была права. Ее семья заново открыла сокровищницу скрытых работ в 1960-х годах и предложила ее Стокгольмскому музею современного искусства в качестве подарка, который организация отклонила. Только в 2013 году в том же музее прошла первая ретроспектива ее работ, которая потрясла международное художественное сообщество.

После рекордного пребывания в нью-йоркском Гуггенхайме в 2019 году культовые картины впервые попадут в Азиатско-Тихоокеанский регион.Откроется завтра в Сиднее, «Хильма аф Клинт: Тайные картины» объединяет более 120 работ, в том числе «Десять больших» — десять холстов высотой 3 метра, иллюстрирующих этапы жизненного цикла человека.

Картины Хильмы радикально перерисовывают мужские временные рамки истории искусства ХХ века. Созданные еще в 1906 году, ее эпические произведения предшествуют произведениям Василия Кандинского и Пита Мондриана, которых многие считали отцами модернистского движения.

Член авангардного мистического движения, Хильма также была известна тем, что проводила сеансы в своем доме и глубоко инвестировала в расцветающий спиритизм того времени. Ее большие абстрактные формы взяты из оккультной символики и содержат сообщения о человеческой жизни, передаваемые из духовного мира. Чудесно и потрясающе!

На выставке также будут представлены образцы ее ранних акварелей и Первозданный хаос — серия из 26 работ, знаменующая первые шаги Хильмы от натурализма к революционным экспериментам с абстракцией.Программа будет сопровождаться показом нового документального фильма Beyond the Visible: Hilma af Klint ; и двухдневный симпозиум онлайн-переговоров.

«Эта выставка — уникальная возможность открыть для себя необычайные художественные достижения художника, чьи вновь открытые работы сейчас захватывают публику по всему миру и побуждают музеи подвергать сомнению повествования об истории искусства», — говорит директор галереи д-р Майкл. Бренд.

«Хильма аф Клинт: Тайные картины» откроется в Художественной галерее Нового Южного Уэльса 12 июня и продлится до 19 сентября.Билеты сейчас в продаже .

Мистических символистов во всей их китчевой славе

Допустим, вы были композитором и написали симфонию, получившую всеобщую похвалу, глубокую академическую проработку, выступления самых престижных оркестров. Критики называли вас наследником Баха и Бетховена. Но у вас был секрет: до того, как вы стали знаменитыми, музыка, которая вам больше всего нравилась, была «Парк Макартура», «Я бы сделал все для любви» и другие напыщенные мелодии страсти и потери.Вы, конечно, переросли это. Но между нотами, в глубоких перерывах вашей симфонии, все еще ощущалась эта ранняя тяга к мусору.

Нечто подобное случилось с европейским современным искусством — и историки часто отказываются рассказывать эту историю. Развитие абстракции в начале прошлого века часто называют устойчивым формальным прогрессом, но многие художники до Первой мировой войны думали не только о цвете и линиях. Они тоже были увлечены неуравновешенными эмоциями и мистической ерундой, а искусство, которое вдохновляло то поколение, часто было спиритизмом.

Он выставлен на обозрение в разоблачающем и безупречно безвкусном «Мистическом символизме: Салон Роз + Крест в Париже, 1892-1897» Музея Соломона Р. Гуггенхайма, который погружает зрителей в салон живописи символистов, шокировавший и восхищавший зрителей. последнее десятилетие 19 века. В то время как Сезанн и Ван Гог были в Провансе, анализируя горы и яблоки, в Париже художники в союзе со странным писателем / спиритуалистом / шарлатаном по имени Жозефин Пеладан отвернулись от наблюдений и обратились к чрезмерной религиозной фантазии.Все картины этой выставки Гуггенхайма были представлены на ежегодной широко разрекламированной выставке Пеладана: жалобные Орфеи; бледные роковые женщины; девственные девы в дикой местности, их бледная кожа передается мягкими, парообразными мазками кисти.

Все они избыточны. Многие просто отвратительны. Но они до странности убедительны, и для множества более поздних модернистов — писателей вроде Паунда и Йейтса, художников вроде Мондриана и Кандинского — этот мусорный спиритизм стал как дыхание жизни после сурового реализма.Висящий в Гуггенхайме на фоне глубоких карминовых стен и с увертюрой Вагнера «Парсифаль», иногда звучащей из динамиков над головой, «Мистический символизм» олицетворяет декаданс Salon de la Rose + Croix. (Он был организован Вивьен Грин, куратором Гуггенхайма, которая также редактировала иллюстрированный каталог.)

Пеладан (1859-1918) был автором, критиком и лидером тайного общества, Ордена Розы + Креста Храма. et du Graal, это была одна из нескольких оккультных сект, возникших в период Прекрасной эпохи.Он также был признанным монархистом в республиканской Франции и присвоил себе поддельное почетное слово Сар: «лидер» на ассирийском языке. Два его портрета здесь дают представление о его зрелищности. На одной, датированной 1891 годом, он изображен в меховой шапке и в модном кружевном воротнике; к 1895 году его коллега Жан Делвиль изобразил его как святого в белых одеждах, глаза устремлены в небо, его палец вытянут вперед, как будто он готовится ниспослать откровение.

Был ли Пеладан серьезным? Парижане 1890-х годов не могли сказать точно — здесь есть вырезки из насмешливых репортажей из газет того времени, — но он определенно сыграл свою роль, и художники, которых он приглашал для выставок в салонах Rose + Croix, должны были подчиняться строгим предписаниям: нет натюрморты, никаких пейзажей, только искусство на службе у божественного.Часто это принимало католический характер, как в «Видении» Альфонса Осберта, в котором пастушка смотрит вверх, а из ее головы вырывается ореол, а ягненок нюхает ее ногу. Но духовность Пеладана была всеядна, и другие картины здесь вызывают греко-римские мотивы, особенно миф об Орфее, и эзотерические обряды. Другим божеством художников Rose + Croix был Вагнер, чьи длинные оперы, особенно поздний «Парсифаль», рассматривали искусство как религиозную практику. Офорты после этой оперы испанского художника Рохелио де Эгускисы, который познакомился с Пеладаном в построенном на заказ театре Вагнера в Байройте, появились в салоне 1896 года.Гуггенхайм демонстрирует свое газовое изображение Святого Грааля, излучающего свет, в то время как голубь расправляет свои благотворные крылья.

Эти художники разделяли духовные наклонности предшествовавших им символистов, среди которых были Гюстав Моро и Пьер Пюви де Шаванн. Они также совпадают с прерафаэлитами через Ла-Манш, у которых были схожие вкусы к рыцарским чашам и длинноволосым девушкам. Но в большей части Salon de la Rose + Croix есть расточительность и беспорядок, которые выделяют его среди более изысканных предшественников.Фотографии могут лишь в той мере, чтобы передать, насколько перегружены некоторые из этих картин — и насколько они могут сбивать с толку и вызывать тошноту.

Например, в большой картине 1897 года «Орфей в Аиде» Пьер Амеде Марсель-Беронно изобразил этого мифического лирика с мраморной плотью среди сумеречных осужденных и использовал мастихин, чтобы разрезать поверхность в скалистый адский пейзаж. («Орфей в Аиде» также фигурирует на передней обложке каталога Гуггенхайма, задняя сторона которого обита плюшевым красным бархатом.) «Рассвет труда» (около 1891 г.), одна из нескольких сумасшедших аллегорий Чарльза Маурина, объединяет более дюжины обнаженных людей в беспорядочное падение в стиле Рубенса, но их тела выглядят такими же плоскими, как японские гравюры, которые тогда были в моде. . Это непонятная картина, хотя она предложила бы редкий намек на социализм в салоне преимущественно правого толка Пеладана.

Теперь мы все таращимся на эти картины, ценим их женоненавистничество и отвергаем духовные претензии салона. Но Пеладан в некотором смысле опередил свое время, не в последнюю очередь в том, что он использовал брендинг и индивидуальность, чтобы добиться известности своими художественными усилиями.Мировая духовность возвращается в современное искусство — иногда как объект анализа, а иногда, я боюсь, истинно верующих. В основе Венецианской биеннале 2013 года лежали неопрятные рисунки Рудольфа Штайнера на доске, а стамбульская биеннале 2015 года взяла свою структуру из теософических размышлений Анни Безант, которая считала, что мысли имеют физические формы. В этом году Венецианская биеннале, организованная французским куратором Кристин Масель, отводит видное место провидцам и шаманам, находящимся на грани компромисса.

«Настоящий художник помогает миру, раскрывая мистические истины», — гласит одно из самых известных произведений Брюса Наумана, отлитое ярким неоном в 1967 году. Он имел в виду это иронично — но это ожидание художников переносит нас от повседневности к бесконечность надоедливо держит в нас, якобы современных. Таким образом, отвратительно захватывающее шоу Гуггенхайма предлагает нечто большее, чем просто взгляд на край истории искусства; это позволяет нам противостоять распространенному сегодня, но обычно отрицаемому, голоду по искусству, обещающему побег из окружающего мира.

Мистическая иконография гиперреалистичных картин Джози Морвей

В вашей работе преобладает дикая природа и особенно птицы, тогда как люди отсутствуют полностью. Это почему? Откуда ваше увлечение птицами, в частности, связано с ?

У меня всегда было чувство трепета и сочувствия к животным и природе, которое имеет тенденцию переходить в печаль из-за их уязвимости, того, как они страдают от наших рук, или, по крайней мере, из-за нашего невнимания. Я думаю, что в некотором смысле моя работа — это попытка противостоять этой печали, взяв животное — например, маленькую птицу — и сделав ее эпической, более крупной, чем жизнь, яркой, бессмертной и неуязвимой. святым. Таким образом, мои животные становятся своего рода тотемом надежды.

В искусстве определенно существует давняя традиция птиц и животных, и часто дикая природа выступает в качестве аллегории для человеческих историй или проблем. В том, что я делаю, определенно есть что-то от этого, но в то же время мне не нравится эта антропоцентрическая идея о животных как о единственном средстве для человеческих историй, поэтому я пытаюсь создать работу, которая немного отвлекает зрителя от их взглядов. сторожить.

Кажется, есть поэтическое сопоставление между перьями птиц и листьями растений, которые часто переплетаются. Это скорее эстетический штрих или есть какие-то концептуальные основы ?

Хотя я работаю интуитивно, я не думаю, что все, что я делаю, является чисто эстетическим. Упомянутое вами «переплетение» — это самая суть того, о чем я думаю о растениях в моей работе. Я надеюсь предложить взаимосвязанность, способ, которым мы все запутаны и взаимозависимы, отсюда и название «Симбиоты» для нескольких моих недавних комбинаций растений и птиц. Мне нравится делать несколько запутанные композиции, когда трудно сказать, ест ли птица растение или ест его. Это возвращает меня к моему восхищению способностью людей неверно истолковывать природу, с которой я не могу устоять, играя, создавая образы, которые немного неудобны или трудно интерпретировать.

Amazon.com: «Мистический лесной ручей» Картина маслом: Изделия ручной работы

Оригинальный единственный в своем роде пейзаж маслом на натянутом холсте. Автор Дженни Андерсон.

h3.default {
цвет: # CC6600;
размер шрифта: средний;
маржа: 0 0 0,25em;
}
#productDescription_feature_div> h3.books {
цвет: # 333! важно;
размер шрифта: 21px! важно;
высота строки: 1,3;
padding-bottom: 4px;
шрифт: нормальный;
маржа: 0px;
}
#productDescription_feature_div> h3.softlines {
цвет: # 333! важно;
размер шрифта: 21px! важно;
высота строки: 1,3;
padding-bottom: 4px;
font-weight: жирный;
маржа: 0px;
}
#productDescription> p, #productDescription> div, #productDescription> table {
маржа: 0 0 1em 0;
}
#productDescription p {
маржа: 0em 0 1em 1em;
}
#productDescription h4 {
шрифт: нормальный;
цвет: # 333333;
размер шрифта: 1.23em;
ясно: слева;
маржа: 0.75em 0px 0.375em -15px;
}
#productDescription table {
граница-коллапс: наследование! важно;
нижнее поле: 0;
}
#productDescription table img {
максимальная ширина: наследовать! важно;
}
#productDescription table td {
размер шрифта: маленький;
вертикальное выравнивание: наследование! важно;
}
#productDescription ul li {
маржа: 0 0 0 20 пикселей;
}
#productDescription ul li ul {
тип-стиль-список: disc! important;
маржа слева: 20 пикселей! важно;
}
#productDescription ul ul li {
тип-стиль-список: disc! important;
маржа слева: 20 пикселей! важно;
}
#productDescription> ul ul li {
тип-стиль-список: disc! important;
}
#productDescription ul li ul li {
маржа: 0 0 0 20 пикселей;
}
#Описание товара .aplus p {
маржа: 0 0 1em 0;
}
#productDescription small {
размер шрифта: меньше;
}
# productDescription.prodDescWidth {
максимальная ширина: 1000 пикселей
}
]]>

Mystic Museum of Art — Творчество, Культура, Сообщество

Mystic Museum of Art — Творчество, Культура, Сообщество

• Звонок артистам
  Тематическая региональная выставка MMoA возвращается этой осенью с мерами предосторожности против COVID-19.Для получения дополнительной информации нажмите здесь!

  Больше информации

• Доступны осенние уроки для взрослых!
  Нажмите здесь, чтобы узнать, какие студийные занятия будут предложены этой осенью для взрослых! Зарегистрируйтесь по телефону или онлайн (скоро!)

  Больше информации

• Стипендиальный фонд Джима Бербанка
  Памяти Джеймса К.Бербанка (1923-2020), этот фонд будет предоставлять бесплатные уроки рисования в студии каждый семестр для ребенка, который в противном случае не смог бы посещать занятия. Пожертвуйте сегодня!

  Больше информации

• Текущие возможности трудоустройства
  MMoA нанимает! Кликните сюда, чтобы узнать больше.

  Больше информации

• Ночь вдали от музея
  Спасибо всем, кто участвовал в виртуальном гала в этом году! Полное видео доступно для потоковой передачи на странице MMoA на YouTube, а наша кампания Fund-A-Need активна до 30 июня.Нажмите сюда, чтобы узнать больше!

  Больше информации

• Основатели
  Узнайте об основателях и влиятельных художниках, которые сделали Mystic тем, чем он является сегодня! Открытие 15.06

  Больше информации

• Fund-A-Need
  Благодаря мощной исторической студийной образовательной программе MMoA теперь стремится собрать средства, чтобы наши посетители могли лучше познакомиться с искусством в галереях.Акция продлится до конца июня. Будьте уверены: мы вложим каждый доллар в работу для аудитории MMoA!

  Больше информации

• Членство
  Мы приветствуем новых участников в течение года и благодарим тех, кто уже подписался, чтобы воспользоваться многочисленными преимуществами членства в Mystic Museum of Art.